La main d'Andrée

Anonyme du XXIe siècle.

(avec Explorer ça va tout seul)

In The Box 0308, originally uploaded by Musarde.

J’ai enfin mis un peu d’ordre dans mes photos, cette exposition se tenait il y a tout juste un an. Voir le poste ici.

ou: http://www.flickr.com/photos/musarde/sets/72157623097052734/

Il y a quelques jours, j’ai passé la soirée avec une fidèle amie, Mette Stüwe, qui m’a fait part d’un projet qui lui tient particulièrement à cœur. Son courage et son engagement personnel m’ont impressionnée et j’aimerais pouvoir soutenir son action, car comme elle je suis allée au Népal il y a quelques années, je sais bien de quoi elle parle.

Tout a commencé lors des visites de Mette au Népal en automne 2007 et au printemps 2008. Attirée par la beauté de la nature, la splendeur des montagnes, l’aimable hospitalité des gens et l’atmosphère particulière de spiritualité et de sérénité, Mette a été profondément émue par l’extrême difficulté des conditions de vie dans ce pays. Son cœur a été particulièrement touché par des enfants solitaires et affamés qui n’ont aucune chance de fréquenter une école ; ils sont la plus part du temps utilisés pour des travaux de misère dès leur plus jeune âge.
Au cours des merveilleuses rencontres qui ont marqué les séjours de Mette, elle a développé une chaleureuse amitié avec son guide de montagne Min et sa famille. Min (40 ans) et son frère Sandip (31ans) viennent de l’ouest de l’Himalaya népalais et travaillent depuis de nombreuses années comme guides de montagne.
Min et Sandip visitent et aident régulièrement différents orphelinats. Ils ont vu tant d’enfants miséreux et abandonnés que leur désir a toujours été de créer leur propre orphelinat.
Dans la ville d’où ils viennent, Gorkha, ils ont déjà participé à la construction de trois classes d’école avec toilettes pour le primaire et le secondaire.
La totalité de ces aides, en y ajoutant le soutien de 22 étudiants, repose sur un groupe d’amis Australiens.

Le rêve de Min, l’enthousiasme de Mette et leur énergie conjointe ont permis de démarrer en juillet 2008 le projet de construction et de gestion d’un orphelinat à Pokhara pour 10 enfants. Ils l’ont appelé «Happy Children’s Home». A la fin 2009, l’extérieur de la maison est complètement construit. Il reste encore à récolter des fonds pour terminer l’intérieur de la maison et gérer l’orphelinat.
Une association à but non lucratif a été créée en France le 30 janvier 2009 (No W01000078 - loi 1901), elle est constituée de 6 membres. Les nouveaux membres sont bienvenus pour aider à créer et organiser des événements nouveaux et dynamiques de recherches de fonds.
Une association de même type sera bientôt opérationnelle à Pokhara. L’association délivre sur demande des reçus de dons.

Pour en savoir plus : www.happychildrenshome.org  

Mette vit tout près de la frontière Suisse-France, aussi les dons peuvent êtres versés dans les deux pays :

En France : Banque Populaire des Alpes – Ferney Voltaire
Compte No 31696269215
Swift/code identité de la banque : CCBPFRPPGRE
Iban : FR76 1680 7000 5431 6962 6921 574

Chèques: Happy Children’s home chez Mette Stüwe - 10, ch. du Marais - F- 01280 Prevessin Moens.

En Suisse : UBS – compte No 0279-297246.40U
Adresse de la banque : UBS AG, VS33-241, Postfach, 4002 Basel

Pour ceux qui craignent que leurs dons ne servent qu’à entretenir des administrations, je peux attester qu’ici tout le travail est bénévole, chaque centime récolté va au projet lui-même.

Musarde Prosélyte

L'art se frotte aux philosophes

Dans la peau d’Hegel

MDK en visite à la Villa Dutoit ]]> http://www.muzarte.net/blog/?feed=rss2&p=461 http://www.muzarte.net/blog/?p=452 http://www.muzarte.net/blog/?p=452#comments Tue, 24 Nov 2009 14:14:19 +0000 Musarde http://www.muzarte.net/blog/?p=452

L'art pourquoi faire?

L'art dit-il la vérité?

Un aperçu de l’exposition “Mur…mur”.
Pour agrandir les images cliquer sur les photos.

l'atelier le 20 octobre : "Matière et pensée"

Deux événements ont récemment modifié ma trajectoire artistique. L’espace de création qui était le mien jusque-là se contentait de deux dimensions : je peignais. Or, le thème de « Mur… mur », proposé par la Villa Dutoit, m’ayant incitée à regarder la salle comme une caisse – de résonance -, je me suis aventurée à mes risques et périls dans les trois dimensions. Peut-être aurais-je pu en rester là, mais il se trouve qu’une rencontre fortuite avec la philosophie a elle aussi influencé ma pratique. Il m’est devenu dès lors indispensable de considérer également l’espace-temps habité par l’esprit et d’explorer ainsi la quatrième dimension. La question posée étant : « Comment relier le monde concret à celui des idées ? »

C’est Andrée Barbier qui a entr’ouvert pour moi une petite porte dans cette pensée qui est son art. Parcourir des textes de Kant, Hegel, Nietzsche, Freud et Bergson ou encore Lévi-Strauss, n’était jusqu’alors pas à ma portée. Après deux années de fréquentation d’un cours de philo, je ne pouvais évidemment pas posséder les clés de ces grandes pensées. Il m’a souvent semblé que j’avais un choix à faire : servir mon art ou philosopher, comme si ces deux disciplines ne pouvaient cohabiter, l’intelligible et le sensible se faisant concurrence dans l’occupation de mon temps. Je me suis fréquemment reproché de déserter l’atelier pour la lecture, pourtant la philosophie attribuait un surcroît de sens à mes actes et je ne pouvais me résoudre à trancher.

Ce mur d’incompréhension dressé en travers de mon chemin devait être franchi d’une façon où d’une autre. L’impérieuse recherche de sens qui m’habitait m’interdisait de capituler, mais avaler les deux volumes de l’Esthétique de Hegel aurait causé ma perte. J’ai donc décidé de tenter une réconciliation entre une exploration de cette pensée fascinante, par trop chronophage, et la matière qui est mon territoire identitaire. Il m’a finalement semblé possible de dépasser cette opposition, en transformant symboliquement cette exigence en un… mur de compréhension.

C’est ainsi que les deux tomes de l’Esthétique de Hegel ont servi de peau aux matériaux qui ont façonné ce mur, rendant hommage à cette pensée de façon tangible.

Mes remerciements vont à Andrée Barbier pour son attention généreuse dans la genèse de cette œuvre ainsi que pour sa très active participation par la rédaction de textes explicatifs détaillés et le choix des citations qui accompagnent les philosophes représentés.

 ”C’est au delà de l’impression immédiate et des objets perçus immédiatement qu’il faut chercher la véritable réalité.”
Hegel 

 

du 17 au 20 septembre
pour une exposition intitulée “15/50“.

75 artistes y exposeront une oeuve d’une dimension de 15×50 cm. Le thème est libre. J’en ferai partie mais ne pourrai hélas pas assister au vernissage, que l’on veuille bien me pardonner de n’avoir pas le don d’ubiquité.

Ceux qui ne l’auront pas vue pourront se consoler avec une visite virtuelle de l’exposition sur le site de http://www.visarte-geneve.ch/visarte%2015%2050.html”>Visarte-Genève.

L’art, pourquoi faire?

]]> http://www.muzarte.net/blog/?feed=rss2&p=400 http://www.muzarte.net/blog/?p=395 http://www.muzarte.net/blog/?p=395#comments Tue, 25 Aug 2009 10:37:50 +0000 Musarde http://www.muzarte.net/blog/?p=395

C'est pour mieux te manger...

L’ évènement marquant de l’été musardien est certainement la performance de la plasticienne Marie Danielle Koechlin (MDK) et d’Elisabeth Douillet dans le cadre du congrès de l’ AIEMPR (Association internationale d’études médico-psychologiques et religieuses),  présentée à la Faculté des Sciences humaines de  l’Université de Lausanne. Le thème en était le cannibalisme.

Pour clore le congrès MDK a préparé un dessert surprenant, sur fond d’une musique de chasse saisissante dans un décor de Botticelli.

Elisabeth Douillet avec qui cette performance a été mise sur pied nous a procuré d’entrée un moment d’émotion avec un chant poignant au début de la performance, une voix qui n’est peut-être pas celle d’une cantatrice, mais celle d’une dramaticienne émouvante.

MDK officie ensuite avec ses assistants, telle une vestale, elle offre en sacrifice une jeune vierge: “Blanche Biche sur lit de groseilles” . La vierge est d’abord présentée au public, vêtue d’ un léger voile transparent laissant apparaître sa nudité. Elle est ensuite étendue sur un lit de groseilles, transpercée au coeur et découpée en menus morceaux  par un chef pâtissier en toque. Les morceaux de Blanche Biche sont alors servis aux spectateurs qui les dégustent.  L’ambiance est saisissante et si certains rechignent un peu, ça n’est pas parce que le biscuit qui constitue le corps de la belle est trop dur, mais c’est qu’il faut bien admettre qu’il y a en nous une part de cannibale.  Je pense à ces amant(e)s ou à ces mères trop aimante)s:  ”Je t’aime donc je t’absorbe” avec une douceur irrésistible.

Le site de l’AIEMPR reprend une très belle citation d’Henri Michaux (La nuit remue, Gallimard 1967):

“L’araignée royale détruit son entourage, par digestion. (.)
Bien souvent elle approche en amie. Elle n’est que douceur, tendresse, désir de communiquer, mais si inapaisable est son ardeur, son immense bouche désire tellement ausculter les poitrines d’autres (et sa langue aussi est toujours inquiète et avide), il faut pour finir qu’elle déglutisse.
Cependant, l’araignée ensuite se désespère. Ses bras ne trouvent plus rien à étreindre. Elle s’en va donc vers une nouvelle victime et plus l’autre se débat, plus elle s’attache à le connaître.
Petit à petit elle l’introduit en elle et le confronte avec ce qu’elle a de plus cher et de plus important, et nul doute qu’il ne jaillisse de cette confrontation une lumière unique.
Cependant, le confronté s’abîme dans une nature infiniment mouvante et l’union s’achève aveuglément.”

La performance était prolongée par une exposition de dessins “Dialogue avec les Ogres” et une vidéo “Loups et agneaux”, présentés au couvent franciscain de Saint-Maurice.  Une occasion précieuse et rare de contempler l’étonnante oeuvre graphique de MDK dans un lieu qui bien que religieux s’est révélé très tolérant par rapport au contenu des dessins, je salue en passant l’intelligence des frères. Idem pour la vidéo ( je faisais partie des acteurs), les murs du couvent m’ont paru donner une touche de reconnaissance supplémentaire à ce film taillé dans le vif de nos psychés.

L’oeuvre vidéaste de MDK suit une ligne d’exploration qui accompagne son intérêt profond pour la vie psychique. Par ailleurs Marie Danielle pratique et enseigne le Dialogue Intérieur en tant qu’art de la conscience. Je la suis dans cette voie avec un immense intérêt.

http://www.champendal.com/

http://www.champendal.com/hommage.php

Visarte se plonge dans la mise en boîte miniature
aux Halles USEGO, Sierre (Valais, Suisse)
du 24 avril au 10 mai 2009.

Le principe? Chaque artiste doit créer une oeuvre qui doit rentrer dans une boîte d’allumettes au format de 1.6 x 3.7 x 5.8 cm. L’oeuvre peut être exposée dans une boîte ouverte, entrouverte ou fermée, mais peut aussi se déployer hors de la boîte.

Unique et originale, cette exposition met en scène les travaux de près de 200 artistes suisses membres de Visarte.suisse.

Jeudi, vendredi de 16h à 19 h
Samedi, dimanche de 14h à 19h

+ d’infos sur http://inthebox1.wordpress.com/

Les  halles USEGO  se trouvent à la Rue du Stade à Sierre, à environ 800 mètres de la gare, le long des voies, direction Sion.

http://mda2008.blogspot.com/2009/02/la-place-des-femmes-dans-les-arts.html

http://www.philomag.com/article,entretien,peter-sloterdijk-il-faut-etre-dechire-par-quelque-chose-qui-nous-depasse-pour-penser,216.php

P. Sloterdijk sur Wikipedia:
http://www.petersloterdijk.net/french/index.html

A propos de Williams James (1842-1910) évoqué par P. Sloterdijk au cours de l’entretien:
http://cyclothymieetverite.blogspot.com/2008/04/cyclothymie-bipolarit-et-religion.html

Vie de famille, encre de Chine, 13 x 18 cm

Ses parents et ses grands parents sont très heureux.

La glace était de très mauvaise qualité vu la température trop élevée ce jour là. Les oeuvres ont souffert de craquelures et d’une fonte précoce. André est tout de même parvenu à exécuter  trois sculptures pendant  le week-end, ce qui représente un vrai marathon, mais quoi de plus normal pour un Marastonien?

La pièce maîtresse, La Lentille, était majestueuse, mettant en valeur une fois encore, l’approche spirituelle de l’artiste. Dommage que les organisateurs aient insisté pour qu’il représente également des sujets prosaïques tels une guitare et un saxophone, ce qui ne présente aucun intérêt sur le plan esthétique et n’a strictement rien ajouté à la performance d’André si ce n’est des difficultés techniques mal récompensées.

“L’arbre cosmique”, l’oeuvre d’André Marastoni a obtenu le 2ème prix du Jury ex-aequo et le 2ème prix du Jeune Public:

Le premier prix du Jury a été décerné à l’Américain Steuart Bremner avec “Promises” qui a également obtenu le 1er prix des Artistes et le 2ème prix du Public :

 

S’il est entendu que ce qui distingue l’Homme de l’animal, c’est sa capacité de représentation, il n’empêche que c’est à l’état sauvage que se dévoile le génie dans l’Å“uvre d’art et cet état sauvage rapproche l’Homme de son instinct animal.

A la source de l’Å“uvre d’art il y a bien une idéation, soit une représentation mentale, mais c’est exclusivement par son intuition, en termes neurologiques l’utilisation du cerveau droit, que l’artiste se soumet à son instinct, c’est-à-dire à son génie (ce qui rejoint la déraison de Platon).

Ce que je nomme ici instinct a quelque chose à voir avec la vacuité de la raison, une pleine disponibilité aux sens. Depuis la petite enfance, la morale nous enseigne à devenir plus raisonnables (à utiliser notre cerveau gauche), plus policé, plus humain (!) ; ceci se fait au détriment de notre animalité et de nos énergies sauvages (le dommage fait au fauve par le domptage selon Nietzsche). Ce qui est sauvage et non éduqué fait partie des valeurs négatives dans nos civilisations judéo-chrétiennes, hors l’instinct est relié aux énergies sauvages.

A la naissance, nous sommes livrés à nos sens, les images qui prennent place dans notre cerveau immature sont puissantes, voire violentes, parce qu’elles ne sont pas accompagnées de mots, elles ne sont pas décodées par le cortex. L’imagination a ici libre cours, les images occupent toute la place. Le nouveau-né vient au monde dans une dépendance totale, il doit passer par une phase de grande vulnérabilité pendant cette période où il est dominé par ses sens. La psychanalyse nous a appris qu’à mettre des mots sur les évènements nous réduisons considérablement leur impact sur nos affects.

Au commencement ressenti et vulnérabilité sont indissociables et si la plupart d’entre nous cherche à être le moins vulnérable possible et à se prémunir des émotions violentes, les artistes, eux sont d’une autre espèce. L’émotion est leur matière première.

L’artiste cherche à exprimer le produit de son imagination, à se donner à « re-connaître » et à offrir en partage quelque chose d’émotionnel qui l’habite. Pour que ce ressenti ait une chance de se transformer en production originale, l’artiste puise son inspiration première dans la masse brute de son imaginaire, dans la partie inculte de son cerveau, celle que la raison n’a pas censuré.

Quelle que soit la nature du génie, c’est en se livrant à une instance reliée à la toute petite enfance, telle l’acuité réceptive d’un nouveau-né que l’artiste peut atteindre son espace de création.

Celui qui prétend être visité par le génie se doit d’être en position de totale réceptivité et de grande sensibilité, il en devient ainsi plus atteignable. Plus la capacité à supporter l’insécurité engendrée par cette ouverture est grande, plus il y a d’espace pour la sensibilité artistique.

Celui qui se trouve doté d’un tel talent l’a-t-il reçu dans son jeune âge, lors qu’il était dans une sorte d’état de vacuité, le génie tel un dieu de l’Olympe sautant traîtreusement dans la brèche ?

Faut-il que la souffrance accompagne nécessairement la création ?

Est-il également possible à force de rêverie de livrer son esprit à un génie ?

L’état de rêverie est-il ligoté à la nostalgie ?

(à suivre…)

NIETZSCHE, “La généalogie de la morale”, Que signifient les idéaux ascétiques?
éditions Folio, p. 184.

“La meilleure preuve qu’il y a une intelligence extra-terrestre, c’est que personne n’a jamais essayé de nous contacter”

Avec une sensibilité et une réceptivité exacerbées, proches de la transe,  l’artiste met intuitivement en scène la partie problématique de son être; se créant à soi-même, par cette représentation, une opportunité de catharsis.

http://realisite.effervesoft.com/lamaisondemariette/ 

Le Chamanisme? : Wikipédia “24 nov 2008 … Le chamanisme ou shamanisme est un système symbolique de médiation entre les êtres humains et les esprits de la surnature. … “

«J’ai de plus en plus le sentiment que le philosophe, pour être nécessairement un homme du demain et de l’après-demain, s’est toujours trouvé et devait se trouver en contradiction avec son aujourd’hui: son ennemi fut à tout coup l’idéal de l’aujourd’hui. Jusqu’à présent, tous ces extraordinaires promoteurs de l’homme qu’on appelle des philosophes et qui se sentent eux-mêmes rarement amis de la sagesse mais plutôt bouffons déplaisants et points d’interrogation dangereux -, ont trouvé leur tâche, leur dure tâche, non voulue, inéluctable, mais finalement la grandeur de leur tâche dans le fait d’être la mauvaise conscience de leur temps. En soumettant précisément les vertus de leur temps à la vivisection et en leur plaçant le scalpel sur la poitrine, ils trahirent ce qui était leur propre secret: découvrir une nouvelle grandeur de l’homme, un chemin nouveau, jamais foulé, menant à l’accroissement de sa grandeur. A chaque fois, ils dévoilèrent combien d’hypocrisie, de commodité paresseuse, de laisser-aller et d’avachissement, combien de mensonge se dissimulait sous le type que la moralité de leur temps vénérait le plus, combien de vertu avait fait son temps chaque fois, ils dirent:

« Il nous faut aller par là, nous en aller tout là-bas, là où vous êtes aujourd’hui le moins chez vous. »»

NIETZSCHE, Par-delà bien et mal, § 212.

C’est un film didactique d’animation qui dure 52 mn, ça peut paraître long car tout le monde court après le temps,  mais si vous voulez savoir pourquoi c’est là:

L’Argent Dette de Paul Grignon (Money as Debt FR)

from Bankster

on Vimeo.

Vos réactions m’intéressent.

Publié sur le blog de Sarkostique.

«Récemment, une célèbre animatrice radio états-unienne fit remarquer que l’homosexualité est une perversion. « C’est ce que dit la Bible dans le livre du Lévitique, chapitre 18, verset 22 : Tu ne coucheras pas avec un homme comme on couche avec une femme : ce serait une abomination ». C’est clair, non ? « La Bible le dit. Un point c’est tout », affirma-t-elle.

Quelques jours plus tard, un auditeur lui adressa une lettre ouverte qui disait :

“Merci de mettre autant de ferveur à éduquer les gens à la Loi de Dieu. J’apprends beaucoup à l’écoute de votre programme et j’essaie d’en faire profiter tout le monde. Mais j’aurais besoin de conseils quant à d’autres lois bibliques.

Par exemple, je souhaiterais vendre ma fille comme servante, tel que c’est indiqué dans le livre de l’Exode, chapitre 21, verset 7. A votre avis, quel serait le meilleur prix ?

Le Lévitique aussi, chapitre 25, verset 44, enseigne que je peux posséder des esclaves, hommes ou femmes, à condition qu’ils soient achetés dans des nations voisines. Un ami affirme que ceci est applicable aux mexicains, mais pas aux canadiens. Pourriez-vous m’éclairer sur ce point ? Pourquoi est-ce que je ne peux pas posséder des esclaves canadiens ?

Je sais que je ne suis autorisé à toucher aucune femme durant sa période menstruelle, comme l’ordonne le Lévitique, chapitre 18, verset 19. Comment puis-je savoir si elles le sont ou non ? J’ai essayé de le leur demander, mais de nombreuses femmes sont réservées ou se sentent offensées.

Autre chose : le Lévitique, chapitre 21, verset 18, dit qu’on ne peut approcher de l’autel de Dieu si on a des problèmes de vue. J’ai besoin de lunettes pour lire. Mon acuité visuelle doit-elle être de 100% ? Serait-il possible de revoir cette exigence à la baisse ?

Un dernier conseil. Mon oncle ne respecte pas ce que dit le Lévitique, chapitre 19, verset 19, en plantant deux types de culture différente dans le même champ, de même que sa femme qui porte des vêtements faits de différents tissus, coton et polyester. De plus, il passe ses journées à médire et à blasphémer. Est-il nécessaire d’aller jusqu’au bout de la procédure embarrassante de réunir tous les habitants du village pour lapider mon oncle et ma tante, comme le prescrit le Lévitique, chapitre 24, verset 10 à 16 ? On ne pourrait pas plutôt les brûler vifs au cours d’une réunion familiale privée, comme ça se fait avec ceux qui dorment avec des parents proches, tel qu’il est indiqué dans le livre sacré,
chapitre 20, verset 14 ?

Je me confie pleinement à votre aide. Merci de nous rappeler que la parole de Dieu est éternelle et immuable.»»

 

“Au fond j’ai en horreur toutes ces morales qui disent: “Ne fais point ceci! - Renonce! Surmonte-toi!” - en revanche j’obéirai volontiers aux morales qui me poussent à agir et à agir à nouveau, quitte à ne rêver du matin au soir et la nuit durant que de cela, à ne penser à rien sinon à faire bien et aussi bien qu’il m’est, à moi seul possible de le faire! Qui vit ainsi se détache sans cesse de telle ou telle chose qui ne rentrerait pas dans pareille vie: sans haine ni répugnance, il voit aujourd’hui ceci, demain cela se séparer de lui, pareil aux feuilles jaunies que le moindre souffle un peu vif ôte à l’arbre: ou encore, il ne s’aperçoit pas même de cette séparation, tant son oeil ne fixe rigoureusement que le but, ne regardant absolument que devant soi, et jamais de côté, ni en arrière, ni vers le bas. ” Notre faire doit déterminer ce que nous omettons; en faisant, nous omettons - ainsi il me plaît, ainsi dit mon placitum.” Mais je me refuse à aspirer consciemment à mon appauvrissement, je n’aime aucune de ces vertus négatives dont le désaveu et l’abnégation de soi constituent l’essence.”

NIETZSCHE, Le Gai Savoir.

Le samedi de 14h45 à 19h
- 18 octobre - 31 janvier - 07 mars - 25 avril - 09 mai - 13 juin

Le dimanche de 9h30 à 13h45
- 16 novembre - 14 décembre.

Contact : 06 69 44 78 41 - 04 50 22 84 85 - E.mail : g.aguinaga1@tiscali.

Pour toute autre information cliquez ici.

Citation:
« Ne pas pouvoir prendre longtemps au sérieux ses ennemis, ses malheurs et jusqu’à ses méfaits - c’est le signe caractéristique des natures fortes, qui se trouvent dans la plénitude de leur développement et qui possèdent une surabondance de force plastique, régénératrice et curative qui va jusqu’à faire oublier. (Un bon exemple dans ce genre, pris dans le monde moderne, c’est Mirabeau, qui n’avait pas la mémoire des insultes, des infamies que l’on commettait à son égard, et qui ne pouvait pas pardonner, uniquement parce qu’il oubliait). Un tel homme, en une seule secousse, se débarrasse de beaucoup de vermine qui chez d’autres s’installe à demeure. »

NIETZSCHE, Généalogie de la morale.

Goliarda est une artiste Sicilienne, elle est comédienne. Le fil d’une vie est un récit autobiographique, celui d’un travail psychanalytique peu ordinaire. C’est une écriture avant tout riche d’images poétiques où se côtoient l’imaginaire, le réel et le rêve sans cloisonnements et sans repères bien évidents pour le lecteur. C’est seulement vers la fin du livre, lorsque la “cure” psychanalytique prend forme que les séquences sont un peu mieux scandées.

Les définitions psychanalytiques y sont prenantes, malgré leur violence, celle imposée aux défenses de la patiente par le médecin est difficilement crédible dans une analyse contemporaine, mais elle appartient aux années 70. Il est également permis de se demander si les interprétations du médecin ne sont pas plutôt filtrées et durcies sous la plume hypersensible de l’auteure.

En cette quarantaine d’années qui nous séparent de ce traitement, la psychanalyse a instauré une plus grande distance dans le transfert et le contre-transfert qui se jouent entre le patient et le thérapeute, et c’est heureux s’il on en juge par le drame qui conclue cette “non cure” et renvoie la patiente à son désespoir suicidaire. 
Dans le récit le médecin semble aussi amoureux que sa patiente et la pénètre brutalement par ses interprétations. La dépendance avec le thérapeute est totale et l’acte sexuel serait peut-être la seule issue libératrice et destructrice d’une telle proximité. A la fin le médecin devient cassant pour échapper à la frustration de ce désir de fusion. Soigner l’autre pour se sauver soi-même? Deux épisodes en font la démonstration, celui où il dit souhaiter qu’elle le gifle, même s’il y met un bémol, et celui où il encourage  la patiente à se  mettre nue pour la rassurer sur sa capacité de plaire. Il est voyeur, elle s’exhibe, là il est difficile de ne pas déceler l’investissement trop personnel du thérapeute. D’ailleurs, c’est à la suite de ces séquences qu’il décide d’interrompre le traitement, il reconnaît son échec. C’est une véritable trahison qui se joue et la relation prend des airs de drame d’opéra. Elle l’aime, il se fait désirer, il l’aime (dit-il) et il s’enfuit, affolé par sa création. Il la condamne par là où il prétend la sauver. Il la fouille, la vide et l’abandonne, dangereux thérapeute. Il approche de trop près le noyau incandescent, l’oeil du volcan, le cratère de vie et la patiente y perd presque la sienne. Il s’égare dans son propre désir de transformer l’autre, qui n’est rien moins que de vouloir le ramener à sa propre dimension. Un soi qui juge la partie malade de l’autre comme nocive, à éradiquer sans retenue.
Ce que peut la psychanalyse ? Se connaître, se reconnaître, s’apprendre et adoucir ainsi sa peine, oui.  L’abandon est moins douloureux si les émotions identifiées se rapportent plus à l’enfance qu’à la réalité. La douleur survient mais son codage s’en trouve amorti. L’emphase dramatique perd de son ampleur. Mais ici, il s’agit d’une artiste et ce sens tragique, cette sensibilité extrême est le souffle vital de son existence, on ne peut la lui enlever sans lui ôter son identité. Cette expérience lui aura probablement offert un peu d’espace vital, mais à quel prix? Ceci étant, Goliarda Sapienza en aura fait son miel en bonne artiste qu’elle est. Ce très fort récit autobiographique en est la preuve.

Avec Goliarda, rien n’est vécu dans la modération, tout avec elle est porté au paroxysme, la vie est toujours très proche de la mort. Le style d’écriture très libre est un peu difficile à suivre, mais le lecteur se trouve récompensé de son effort. Goliarda pose des images d’enfance indélébiles, des sensations, des goûts, des couleurs, des lumières, des émotions, de la chair et du sang, mais aussi de l’histoire. On ne peut mieux pénétrer dans une famille sicilienne intellectuelle pendant la période fasciste, que par la voix de cette petite fille dont l’expressionnisme est total. 

Editions Viviane Hamy / février 2008.

Citation :
« Avoir des sens et un goût plus affinés, être habitué à ce qu’il y a de plus recherché et de meilleur, comme à sa vraie nourriture naturelle, jouir d’un corps robuste et hardi, destiné à être le gardien et le soutien, plus encore l’instrument d’un esprit plus robuste encore, plus téméraire, plus amoureux du danger: qui ne voudrait posséder un tel bien, vivre un pareil état! Mais il ne faut pas se le dissimuler, avec un tel lot, dans un pareil état, on est l’être le plus apte à la souffrance qui soit sous le soleil et c’est à ce prix seulement qu’on acquiert cette distinction rare d’être aussi l’être le plus apte au bonheur qui soit sous le soleil. Sur un tel homme se déversent comme un interminable tourbillon de neige toutes les variétés de la souffrance, et sur lui s’abattent les foudres les plus violentes de la douleur. C’est à la condition de demeurer toujours ouvert de toute part et perméable jusqu’au fond à la douleur qu’il peut s’ouvrir aux variétés les plus délicates et les plus hautes du bonheur; car il est l’organe le plus sensible, le plus irritable, le plus sain, le plus variable et le plus durable de la joie et de tous les ravissements raffinés de l’esprit et des sens. »

NIETZSCHE, Volonté de Puissance, 2, p. 361

Citation:
“Pour juger équitablement de la morale, il nous faut la remplacer par deux concepts zoologiques: le domptage du fauve et la sélection d’une race définie. 

Les prêtres, de tout temps, ont prétexté qu’ils voulaient « améliorer » l’homme… Mais nous ririons, nous autres, si un dompteur voulait nous parler de ses animaux « améliorés ». Le plus souvent, le domptage du fauve s’obtient par un dommage fait au fauve: l’homme moral non plus n’est pas un homme meilleur, mais un homme débilité. Mais il est moins nuisible…”

NIETZSCHE, La Volonté de Puissance.

Citation:
“Tout ce qui est conçu, imaginé poétiquement, peint ou composé en musique, ou même construit et formé, relève soit de lâ??art monologué, soit de lâ??art devant témoins. Dans cette dernière catégorie, il faut également ranger cet apparent art monologué, qui implique la croyance en Dieu, toute la lyrique de la prière : car pour un esprit pieux, il nâ??y a point encore de solitude â?? cette dernière invention ne date que de nous autres sans-Dieu. Je ne connais pas de plus profonde différence dans lâ??optique intégrale dâ??un artiste : savoir si câ??est du point de vue du témoin quâ??il considère son Å?uvre en progrès â?? quâ??il se considère « soi-même » ou si au contraire il « a oublié le monde » : ce qui est essentiel à tout art monologué â?? art qui réside dans lâ??oubli, art qui est musique de lâ??oubli.”

NIETZSCHE, le Gai Savoir, p.386. 

http://crisedanslesmedias.hautetfort.com/archive/2006/09/21/bloguer-dans-la-clairiere.html

A. Genêt, encre de Chine, détail.

Citation:
« Examinez la vie des peuples les meilleurs et les plus féconds, et voyez si un arbre qui doit croître vers le haut peut être dispensé des intempéries, des tempêtes: si la défaveur et l’obstacle extérieurs, si des haines, des jalousies, de l’obstination, de la méfiance, de la dureté, de la cupidité et de la violence de quelque sorte que ce soit, ne constituent pas les conditions les plus favorables sans lesquelles une grande croissance, même dans la vertu, est à peine concevable? Le poison dont meurt une nature plus faible est un fortifiant pour le fort, aussi n’a-t-il cure de le considérer comme poison. »NIETZSCHE, Le Gai savoir

Citation:
« Vouloir » quelque chose, « tendre » à quelque chose, avoir en vue un « but », un « souhait », - toutes choses que je ne connais pas d’expérience. En cet instant même je regarde mon avenir un avenir sans bornes !  comme on regarde une mer lisse : aucun désir n’en ride la surface. Je n’ai pas la moindre envie de voir quoi que ce soit devenir autre : moi-même, je ne veux pas devenir autre que je suis… Mais c’est ainsi que j’ai toujours vécu. »

NIETZSCHE, Ecce homo.

Citation:
“La morale menait jusque-là d’un point à un autre, était une morale de l’action, donnait le parcours et le but.
La morale de Nietzsche a cessé d’être ITINÃ?RAIRE. Elle invite à la DANSE (danse divine, solitaire, mais danse, et la danse ne va nulle part.”

GEORGES BATAILLE

Quand les écluses ne fonctionnent pas, certains ont trouvé d’autres façons de poursuivre leur cours sur la Loire. 

Partant arbitrairement de deux thèmes picturaux récurrents dans mon travail, la surface de l’eau et les cailloux, j’aimerais tenter d’en débroussailler le concept, espérant saisir l’indicible en empruntant périlleusement quelques sentiers des mondes symbolique, psychologique et philosophique.
Les mots sont pour moi une source d’inspiration essentielle, leur transformation en représentation graphique les ancre dans ma (la) réalité. Ces signes picturaux deviennent les traces mémoire de ma pensée et servent de support à son épanouissement. Tout ce qui concrétise matériellement ces images, encre - huile ou autre, donne du temps au mûrissement de mon être.

La surface de l’eau capte dans son reflet tant le monde du dessus que celui du dessous. Ces deux mondes symbolisent le visible et l’invisible - le conscient et l’inconscient, le solaire et l’ombre, Hélios et Héphaïstos, etc.

Cette rencontre de deux mondes à la surface d’un objet se retrouve dans l’interprétation que Sartre ou Levinas portent sur le regard. Mes yeux rencontrent un objet visage et, par la porte des yeux de l’autre, il me sera peut-être donné d’entrer dans un autre monde, celui, invisible, de ses représentations, celui de sa pensée. Dans ce regard, Sartre craint de rencontrer l’enfer alors que Levinas l’appréhende de manière débonnaire, mais tous deux disent l’importance du regard de l’autre. Ce regard, si l’enfançon en est privé, il en meurt.

Quand le regard se porte sur l’Å“uvre d’art, peut-être n’en saisit-il qu’une surface sur laquelle il glisse sans y trouver d’autre signification. Peut-être, au contraire, découvre-t-il une porte d’entrée menant à cet autre monde, la pensée de l’artiste, sa recréation du monde. De cette transcendance, ce dépassement de la surface de l’objet, ce voyage hors de l’ordinaire, naissent de nouvelles représentations signifiantes pour le spectateur qui fertilisent le terreau de son propre développement.
Il en va ainsi de l’artiste qui tente de se révéler à lui-même. Guidé par son intuition et sa sensibilité, il parvient à une disponibilité d’esprit qui lui permet d’accueillir son propre monde souterrain. C’est de ses ressources inconscientes qu’il reçoit la divine inspiration. Il se met à disposition de l’inconnu et se laisse guider par les exigences de l’expérience artistique. Il faut pour y parvenir qu’il traverse les épreuves de la peur - de l’autocritique - de l’impuissance et un douloureux lâcher prise, avant que ne surgisse l’improbable, l’inespérée création.

Les cailloux sont en polarité avec l’eau dont la forme est insaisissable. Ils sont les témoins d’une éternité quantifiable, presque mesurable. La roche se subdivise au cours des millénaires jusqu’à devenir pierre - cailloux - sable et poussière. Les cailloux sont une marque de cette lente transformation, des objets mesurant l’incommensurable temps, un secourable repère, un rapport rassurant dans cet inquiétant infini.
La pierre, élément de repère par sa fixité, m’ancre au sentiment de stabilité et me donne l’appréciable liberté d’explorer mon propre cosmos, cet inconnu, ce vertigineux en moi.

Pourquoi le spectateur s’intéresserait-il à la création de l’artiste ?
Quelle est cette part de moi en l’autre? L’autre serait-il  moi?

Les regards peuvent appréhender les subjectivités pour autant que nous les y autorisions. L’artiste, pour sa part, dévoile sciemment la sienne, il offre sa sensibilité et son intériorité en spectacle, c’est le don qu’il fait de lui-même, espérant par là donner du sens à son existence et trouver sa place dans la société. Il expose sa vulnérabilité sur la place publique. C’est le chemin sacrificiel qu’il choisit pour la reconnaissance de son être.

Pourquoi ce choix ?
Lorsque l’indispensable attention nécessaire à l’être a fait défaut, quand le regard bienveillant qui permet à l’enfant (réel ou intérieur) de se développer a cruellement manqué, il ne lui reste plus, s’il ne veut pas se résigner à l’effacement, qu’à refaire le monde, le recréer inlassablement jusqu’à son improbable changement, jusqu’à ce que justice lui soit rendue. Pour échapper à la folie ou à l’anéantissement, tel un démiurge, l’artiste entreprend la reconstruction du monde avec le tenace espoir d’être enfin reconnu par celui-ci.
Peut-on concevoir projet plus audacieux pour venir à bout du néant ?

Annette Genêt, 8 juin 2008

(La 1ère de couverture a été réalisée par votre servante, qui se vante de surcroît d’être la muse de l’écrivain)

Aux Editions Michel Champendal

 

Je viens de recevoir de lui  quelques liens qui contiennent des extraits de ses récentes productions dans le Cubana Bop avec Franck Al Yamine Cohendet, retrouvez-les sur leur site avec les dates de leur tournée. Bruno trouve une magnifique liberté d’improvisation dans la formule du duo avec Franck qui le soutelle avec autant d’élan que de délicatesse, ce qui n’est pas si courant dans le style percussion afro-cubaine. Les deux compères s’accordent pour créer un espace musical riche et profond dans un style latin-jazz tout à la fois léger et profond, libre et élaboré. Une impression de cosmique rencontrée chez les meilleurs, tels Miles Davis ou Herbie Hanckok, j’ai pensé aussi à Marc Coplan… A vous d’en juger. Je vous en livre ici un échantillon. Faites-vous envie.

Extrait du glossaire de la langue romane de Jean-Baptiste-Bonaventue de Roquefort, rédigé d’après les manuscrits de la bibliothèque impériale.

Ça n’est pas tout-à-fait comme ça que je comprends le sens de ce mot aujourd’hui, les temps ont un peu changés depuis l’époque romane. Je me réferrerai plutôt au aspects créatifs de la flânerie, ce qui est une façon un peu moins gratuite de musarder. Dans le mot musarde il y a muse que l’on peut transformer en s’amuser, mais comment désigner autrement la vacuité  au service de la recherche en matière d’art?

Voilà quelques semaines que je n’ai pas blogué, pas le temps, pas la tête à ça, 2007 a été une année chargée en avatars. Allez, je vous fais un petit rapport.

Je vous avais déjà parlé de mon déménagement, mais vous n’avez pas eu les détails (heureusement!).
Il  m’aura fallu 9 mois pour venir à bout de la situation de A à Z, le temps d’accoucher d’une nouvelle vie, la Xème! Chercher une autre maison avec l’emplacement pour l’atelier, emballer le contenu de l’ancienne maison et ses 2 ateliers, déballer tout ça dans la nouvelle maison et transformer une pièce en atelier… Et pendant cette période, pas la possibilité de travailler et de prendre des engagements pour des expositions. Je commençais à désespérer d’être capable de m’y remettre et à me sentir un peu déstabilisée. Comme j’ai changé de département je dois également créer mon nouveau réseau en Savoie et ça ne se fait pas tout seul.

En 2007 je me suis occupée de l’organisation des stages de Danse des 5 Rythmes sur Annecy, mais comme nous n’avions pas suffisemment d’inscriptions, nous avons décidé d’arrêter, il y a trop d’activités de ce type sur Annecy et je ne pouvais pas faire venir l’animatrice depuis Paris pour 6 ou 8 personnes, et même si nous avions fait abstraction des questions économiques, les groupes plus importants sont beaucoup plus intéressants. Nous danserons donc ailleurs.

La-dessus, la préparation du Journal Mot de Passe, pour l’association ASPASIE à Genève, a pris aussi un peu de temps (je fais partie du comité de rédaction), mais nous touchons au but, le canard est presque prêt, je vous en reparlerai bientôt. En attendant, si vous êtes curieux, vous pouvez faire un tour sur le site d’ASPASIE.  

Passées les fêtes avec leur cortège de préparatifs et tout ce qui s’ensuit d’agréable mais de contraignant, ça y est je suis enfin à mon affaire.  Je viens de reprendre contact avec mon travail d’atelier aujourd’hui même, c’est un grand jour pour moi.

Pour terminer en beauté, une bonne nouvelle, le livre de Gaëtan Rudent (Les Aventures mémorables de Pamphile de Milet), avec qui il m’arrive d’exercer le joli métier de muse, est en cours de réalisation. Avec un peu de chance il sera présent au prochain salon du livre à Paris au stand des Editions Michel Champendal. Je suis très fière d’avoir participé à sa promotion. Vous pouvez encore souscrire, je crois qu’il n’est pas trop tard.

Je vous promets une photo du nouvel atelier dès demain quand il fera jour.

 

Soyez prêt à voyager avec des bagages très particuliers, par exemple si vous envisagez un pellerinage à St-Jacques de Compostelle, ne vous privez pas de l’indispensable croix à bretelles…

Jusqu’au 1er décembre 2007.
Horaires: du mardi au vendredi 15h / 19h
samedi 11h / 16j % sur rendez-vous.

“En effet, en tant que Brésilien, je m’élèverais tout simplement contre l’internationalisation de l’Amazonie. Quelle que soit l’insuffisance de l’attention de nos gouvernements pour ce patrimoine, il est nôtre. En tant qu’humaniste, conscient du risque de dégradation du milieu ambiant dont souffre l’Amazonie, je peux imaginer que l’Amazonie soit internationalisée, comme du reste tout ce qui a de l’importance pour toute l’humanité. Si, au nom d’une éthique humaniste, nous devions internationaliser l’Amazonie, alors nous devrions internationaliser les réserves de pétrole du monde entier. Le pétrole est aussi important pour le bien-être de l’humanité que l’Amazonie l’est pour notre avenir. Et malgré cela, les maîtres des réserves de pétrole se sentent le droit d’augmenter ou de diminuer l’extraction de pétrole, comme d’augmenter ou non son  prix.

De la même manière, on devrait internationaliser le capital financier des pays riches. Si l’Amazonie est une réserve pour tous les hommes, elle ne peut être brûlée par la volonté de son propriétaire, ou d’un pays. Brûler l’Amazonie, c’est aussi grave que le chômage provoqué par les décisions arbitraires des spéculateurs de l’économie globale. Nous ne pouvons pas laisser les réserves financières brûler des pays entiers pour le bon plaisir
de la spéculation.

Avant l’Amazonie, j’aimerai assister à l’internationalisation de tous les grands musées du monde. Le Louvre ne doit pas appartenir à la seule France. Chaque musée du monde est le gardien des plus belles Å“uvres produites par le génie humain. On ne peut pas laisser ce patrimoine culturel, au même titre que le patrimoine naturel de l’Amazonie, être manipulé et détruit selon la fantaisie d’un seul propriétaire ou d’un seul pays. Il y a quelque temps, un millionnaire japonais a décidé d’enterrer avec lui le tableau d’un grand maître. Avant que cela n’arrive, il faudrait internationaliser ce tableau.

Pendant que cette rencontre se déroule, les Nations unies organisent le Forum du Millénaire, mais certains Présidents de pays ont eu des difficultés pour y assister, à cause de difficultés aux frontières des Etats-Unis. Je crois donc qu’il faudrait que New York, lieu du siège des Nations Unies, soit internationalisé. Au moins Manhattan devrait appartenir à toute l’humanité. Comme du reste Paris, Venise, Rome, Londres, Rio de Janeiro, Brasília, Recife, chaque ville avec sa beauté particulière, et son histoire du monde devraient appartenir au monde entier.

Si les Etats-Unis veulent internationaliser l’Amazonie, à cause du risque que fait courir le fait de la laisser entre les mains des Brésiliens, alors internationalisons aussi tout l’arsenal nucléaire des Etats-Unis. Ne serait-ce que par ce qu’ils sont capables d’utiliser de telles armes, ce qui provoquerait une destruction mille fois plus vaste que les déplorable incendies des forêts Brésiliennes.

Au cours de leurs débats, les actuels candidats à la Présidence des Etats-Unis ont soutenu l’idée d’une internationalisation des réserves florestales du monde en échange d’un effacement de la dette. Commençons donc par utiliser cette dette pour s’assurer que tous les enfants du monde aient la possibilité de manger et d’aller à l’école.

Internationalisons les enfants, en les traitant, où qu’ils naissent, comme un patrimoine qui mérite l’attention du monde entier. Davantage encore que l’Amazonie. Quand les dirigeants du monde traiteront les enfants pauvres du monde comme un Patrimoine de l’Humanité, ils ne les laisseront pas travailler alors qu’ils devraient aller à l’école; ils ne les laisseront pas mourir alors qu’ils devraient vivre.

En tant qu’humaniste, j’accepte de défendre l’idée d’une internationalisation du monde. Mais tant que le monde me traitera comme un Brésilien, je lutterai pour que l’Amazonie soit à nous. Et seulement à nous!”

Ce texte mérite d’être médité et diffusé.

Je comprends que dans toutes vos préoccupations ça ne vous semble pas prioritaire, aussi, avec l’aide de l’éditeur, j’aimerais vous dire pourquoi c’est important.

“Si Gaëtan Rudent était un homme célèbre nationalement, Gallimard ou tout autre éditeur prestigieux inscrirait immédiatement son livre dans son catalogue, parce qu’il fait partie du dessus du panier de la littérature.  Son style est fluide et puissant. Gaëtan, professeur retraité de Lettres Classiques (Latin et Grec ancien), encore gorgé (et ad vitam) de la radiante culture hellène, ce berceau de la démocratie, a tenu à nous communiquer toute sa connaissance fertile et essentielle du monde Grec antique, en grande partie fondatrice des valeurs-clefs de notre monde occidental. Pour ne pas ennuyer ses lecteurs, il a tourné le dos à tout didactisme et s’est dirigé vers la confection très soignée d’un récit prenant qui se lit comme un très bon roman. Et par tout le monde (il n’est pas besoin d’être un spécialiste de l’antiquité grecque). 

Parce que l’éditeur, les EMC - Editions Michel Champendal, est une petite association qui ne possède pas de fonds propres: douze bénévoles (3 informaticiens, 2 journalistes, 1 styliste de mode, 1 institutrice, 1 retraitée de la conservation des bibliothèques, 1 comédien, 1 libraire, 1 maquettiste et 1 formateur à l’expression écrite) travaillent assidûment à lire les tapuscrits, à les faire réécrire, à maquetter, à diffuser, à animer le site et le futur blog, à formater, à corriger les livres et à les vendre. Ils ne touchent pas un centime d’euro sur les livres; toutes les ressources des EMC servent à consolider la réputation de chaque livre et à éditer les suivants. Les seules ressources des EMC sont les ventes de livres (en moyenne trois cents exemplaires par titre).

En souscrivant, on permet aux EMC d’éditer au moins cent exemplaires de ce livre et on donne résolument sa chance à Gaëtan d’être reconnu en tant qu’écrivain (ce qu’il est déjà, mais il lui manque ce livre). On donne sa chance également au livre: une fois paru, il pourra être diffusé par les EMC sur leur site de vente par correspondance et vendu en librairies : il existera enfin!

 En résumé, souscrire à un exemplaire de “Les Aventures mémorables de Pamphile de Milet”, c’est permettre à Gaëtan Rudent de mettre le pied à l’étrier du cheval littérature en tant qu’auteur reconnu, et cette aide vaut bien les quelques euros qui serviront à payer le maquettiste et l’imprimeur.”

Comment faire?
Vous remplissez le bulletin de souscription que vous trouverez ici et  vous rédigez à l’ordre des EMC, un chèque de 14 euros par exemplaire souhaité, plus 4 euros de frais de port (5 euros pour 2 ex., 6 euros pour 3 ex.), vous adressez le tout aux éditions EMC, 16, rue Lentonnet, 75009 Paris.

AMELIE SCWHWEIGER

http://www.lesviesdansent.fr

Danseuse, formée aux U.S.A. par Gabrielle Roth. Enseignante certifiée de Danse des 5 Rythmes. Pratique approfondie de divers outils de développement du corps en mouvement et du toucher guérisseur : Danse Contact Improvisation, Body Mind Centering, massage sensitif. Pédagogue (Maître de conférences à l’Université, animation d’ateliers d’écriture). Artiste : création poétique (publication de recueils) et travail de la voix (dix ans de chant lyrique).

STAGES A ANNECY - ATELIERS DANSER LA VAGUE 2007-2008
20-21 octobre / 8-9 décembre / 2-3 février / 12-13 avril / 14-15 juin.
Ces stages ont été annulés faute d’un nombre de participants suffisant, se reporter au site d’Amélie pour d’autres lieux.

Tarifs et horaires :
Le week-end : 95 €; 85 € si paiement reçu trois semaines avant le stage (règlement complet par chèque à l’ordre de « l’Association Les Vies Dansent », à adresser chez Annette Genêt, 39, route du Châtelard, 73370 Le Bourget-du-Lac).
Le tarif est dégressif dès le 3ème week-end (3ème : 80 € / 4ème : 70 € / 5ème : 60 €).
Le samedi (16h - 19h30) : 35 €.
Le dimanche (10h - 17h) : 65 €.

Lieu: Espace Danse Maryse Daléas, 2, rue Louis Chaumontel, 74000 Annecy.

Ce site, recommandé dans sa Newsletter par la Maison des Artistes, est bien achalandé. Il vaut bien quelques lectures.

Par l’expression du corps et de la danse libre, l’éveil de nos sens, l’écoute de notre sensibilité intime, intuitive, dans l’alliance de la légèreté et de la profondeur…
- être l’artisan joyeux au coeur de la rencontre corps et âme
- oser librement notre spontanéité, notre créativité
- explorer l’imprévu dans la découverte de nouveaux langages dans la rencontre de soi et des autres…
- développer nos perceptions afin d’enrichir notre qualité d’être et de présence
- explorer les passages de l’intérieur vers l’extérieur, de l’individuel au collectif
- nourrir la partie vivante en chacun de nous et enrichir nos forces de transformation

Cet atelier s’inscrit dans un processus de développement personnel à médiation corporelle et artistique. Il ne nécessite pas une expérience préalable de danse, et respecte le rythme de chacun, il s’articule autour des axes suivants:
- La préparation, la mise en disponibilité du corps et le relâchement des tensions se font par des massages et des exercices d’étirements.
- Le centrage, l’ancrage, la présence, le travail sur le souffle sont favorisés par des exercices issus du Qi Gong.
- Des objets (voiles, tissus, bambous…) sont utilisés comme prolongement de soi et passage vers l’autre.
- A travers différentes propositions (thèmes ou contes), chaque personne est invitée à explorer, découvrir, exprimer les divers aspects d’elle même.
- Le contact, les improvisations en duo ou à plusieurs facilitent la rencontre dans un espace de jeu - de liberté - de surprise, invitant à déjouer nos peurs de la relation, ceci dans un espace de confiance et de respect.
- La musique stimule le contact avec l’imaginaire et les émotions, et le rythme soutient les danses.
- Un temps de partage verbal permet d’intégrer ensemble l’expérience vécue.  Gisèle

AGUINAGA est éducatrice corporelle, brevetée d’état (E.G.D.A.). Après un chemin de conscience alliant différentes approches corporelles, psychologiques, et spirituelles, elle s’est formée à la danse thérapie en Expression Sensitive auprès de Dominique Hautreux, et d’autre part, à la médecine traditionnelle chinoise et au Qi-gong au sein de l’école de l’énergie des 4 saisons fondée par Genny Rivière.  Elle anime régulièrement des cours de Qi-gong, des ateliers de danse sensitive et des séminaires alliant ces différentes approches, au sein de l’association Confluence.

Renseignements pratiques : Ateliers du samedi de 14h45 à 18h45 :
- 20 octobre - 24 novembre - 15 décembre 2007
- 19 janvier - 02 février - 22 mars - 05 avril - 24 mai - 14 juin 2008.
Lieu : Artys - 1 passage de Vignières - 74000 ANNECY
Tarifs : 35 € l’atelier 30 € à partir de 3 ou 25  € à partir de 6 ateliers. Payable à l’avance. Possibilité de paiements échelonnés.
Adhésion à l’Association “Les jardins de l’éveil”: 10 € pour l’année.
- Se munir d’un plaid, d’une tenue souple et confortable.
- Inscription 10 jours avant la date de préférence.
- Les ateliers sont limités à 12 personnes, les inscriptions sont prises par ordre d’arrivée.
Contact : 06 69 44 78 41 - 04 50 22 84 85 - E.mail : g.aguinaga1@tiscali.com

Son auteur? Gaëtan Rudent, ça vous dit quelque chose? Je suis fière d’être la muse attitrée de l’écrivain. J’ai été la marraine des “Aventures Mémorables de Pamphile de Milet” (c’est le titre de l’ouvrage) depuis sa conception jusqu’à ce jour. L’ouvrage est en souscription aux Éditions Champendal.

http://www.champendal.com/

Bulletin de souscription:

http://www.champendal.com/docs/Bon_souscription_Pamphile_De_Milet_Gaetan_Rudent.pdf

Je vous souhaite une excellente lecture.

Donc à Annecy, les stages de Danse des 5 Rythmes se dérouleront à l’Académie Maryse Daléas, 2 rue Louis Chaumontel, sur les week-end des

- 20/21 octobre 2007
- 8/9 décembre 2007
- 2/3 février 2008
- 12/13 avril 2008
- 14/15 juin 2008.

Je vous communiquerai les horaires ultérieurement et si vous êtes intéressé, envoyez-moi vos coordonnées et email sur musarde@muzarte.net.

Pour les autres lieux animés par Amélie Schweiger en France, vous pouvez consulter le site http://www.lesviesdansent.fr.

Pour le moment, je ne vous en dirai pas plus parce que je suis encore très occupée à évacuer les cartons de mon déménagement et comme j’ai également l’intention de prendre quelques vacances, le temps devient trop rare pour bloguer, mais je suis toujours là et je reviendrai bientôt.

Les engins:
 

La chapelle:

Les cochons tatoués:
http://meszistoiramoua.over-blog.com/article-2580177.html

La machine à produire de la merde:
http://www.luxiotte.net/arts/expos2004b/delvoye1.htm#note01 
http://www.cloaca.be/machines.htm

Plus encore:
http://www.galerieperrotin.com/artiste_.php?id_=116&&nom_=Wim%20Delvoye&&dossier=Wim_Delvoye#

Si vous aimez les grands airs d’opéra, ne vous en privez pas,  passez sur le site de Kozlika, vous ne le regretterez pas.

J’ai trouvé cette vidéo en me balladant chez Lancelot. Je n’ai pas pu résister.

ou encore…

Gymnopédie III

Si vous aimez, vous trouverez le disque par exemple ici.

Je reste sans mot à l’idée de ne plus pouvoir croiser ton visage rieur
De ne plus sentir ta main sur mon épaule à l’improviste
Au détour d’un concert

Nous nous retrouvions encore et toujours
Quels que soient les chemins que nous suivions
Quel que soit le temps qui séparait chacune de nos rencontres
Qu’il s’agisse de quelques heures, de quelques jours ou de quelques mois
Comme ce texte d’Auberson qui nous avait tant fait délirer
« Le temps et la vitesse s’accélère - ange rebelle t’es fou ! »

On refaisait à chaque fois le monde
A la recherche de notre Graal
Toutes ces années qui défilent dans ma tête
Au rythme des joies et des coups durs

Quelque chose comme 18 ans de complicité
Avec toujours cette même quête d’un absolu
Que j’ai, de mon côté, appris à relativiser et à apprivoiser
Et que toi de ton côté tu as poursuivi sans relâche
Au risque parfois de ne plus savoir comment t’enraciner

Tu n’as jamais vraiment su comment poser tes valises
Mais elles étaient toujours pleines de mille envies, de mille projets

De Bell - usine à Kugler, tu m’auras fait voyager dans ton univers
Et nous aurons mêlé nos couleurs musicales
Lorsque de mes douze ou six cordes, je partais dans mes délires sonores
Et que tu t’improvisais percussionniste ou homme-orchestre
Jusqu’à l’aube de nos atmosphères psychédéliques

Toi l’ami avec qui j’ai partagé tant d’instants magiques
Je me sens aujourd’hui orphelin
Orphelin de ton rire qui me faisait tellement marrer
Orphelin de nos poussées de gueule et de nos rebellions

Et même si tu me manqueras « vecchio crapolone »
Je suis sûr que tu as trouvé la paix que tu recherchais tant
Et c’est de cela que je veux me nourrir
Lorsqu’à chaque fois, dorénavant je penserai à toi
Tu es certainement en train de bien déconner parmi les anges rebelles !

Olivier Baiolla

Si vous n’avez pas vu l’expo, je vous laisse juger d’après photos:

Adieu Marc, je t’aimais bien.

L’Ecomusée du Clos Parchet propose le stage de sculpture sur bois
Sous la conduite de

James Bayle, professeur d�??art plastique, artiste professionnel

A partir d’une  approche de la forme en modelage, une initiation à la taille directe en ronde bosse
Date : du lundi 23 juillet au vendredi 27 juillet
Horaire : de 9 heures à 12 heures (atelier libre l’après midi)
Lieu : Ecomusée du Clos Parchet

Adhésion à l’association obligatoire pour l’inscription : 15 €
Frais de stage : 135 € (outils et bois fournis)
Apportez vos gants & lunettes de protection ainsi qu’une blouse

Nombre de participants : limité à 5 personnes (adultes).
Afin de faciliter l’organisation de ce stage, il est demandé aux personnes intéressées de bien vouloir vous inscrire le plus tôt possible.
Des stages pour des groupes d’adultes ou d’enfants sont organisés sur demande.

Renseignements et inscriptions:
Simone Dechavssine
Cessonnex
74 340 Samoëns
Tél/fax 04 50 34 46 69
http://www.le-clos-parchet.com

Pour ceux que ça pourrait intéresser, le Clos Parchet propose également des stages de travail du bois à l’ancienne, de dessin et d’aquarelle, et aussi dans un autre genre mais il faut le dire, de chant traditionnel savoyards (voir le site).

Au début du mois de mars, j’avais à danser à Paris j’avais très envie de rencontrer Claude. Ouverte et généreuse de son temps, elle m’a offert une soirée. Nous nous sommes rencontrée devant le Musée Branly, nous avons pris un verre, puis comme nous avions tant à nous dire, nous avons dîné ensemble. Pas un silence qui ne soit riche de sens, nous avions tout à raconter, nous nous sommes retrouvées comme deux vieilles amies, comme si nous nous connaissions déjà depuis longtemps. 
Mon blog n’a pas été très actif récemment, un peu trop occupée ces dernières semaines par la recherche de ma nouvelle demeure et le déménagement en vue, mais j’ai gardé ce moment privilégié très présent en moi. Dès le mois de juillet, je vais m’établir en Savoie, près du lac du Bourget où j’espère bien faire partie d’un prochain tour de France de Claude.
Et pour tout dire, merci Claude pour cette belle soirée où tu as écouté ma Tour Eiffel à moi.

Pour ceux qui ne connaissent pas encore cette technique, toutes les informations sont disponibles sur le site d’Amélie Schweiger: www.lesviesdansent.fr . Par ailleurs vous trouverez différents articles dans le Journal de Musarde sous la catégorie Danse.

Je ne sais pas qui est l’auteur de la photo, mais je serais prête à honorer un copyright. D’accord ça ne vole pas haut, mais ça soulage de rire face au danger.

Il était une fois une petite fille conçue au sortir du grand fracas de la guerre. Sa mère douce et innocente, et son père, un grand acteur malheureusement pas sur une scène, avaient bien trop à faire pour s’occuper d’elle.
Elle grandit comme poussent les herbes folles, désordonnément et richement. Elle apprit toute seule à faire tout avec du rien et rien avec le tout. Elle était plutôt jolie et habile, et elle aurait été choisie bien vite par un bon mari si un mauvais sort ne lui avait été jeté.
Malgré son charmant visage et son corps vigoureux, lorsqu’elle passait devant un miroir, un voile d’abandon l’enveloppait, tant et si bien que son image était floue.
Elle se crût laide, peu aimable et s’empressa donc d’accepter le premier manant pour amant pour ne pas être oubliée du monde.
A tant de hâte, s’additionna autant de déception… et la succession de ses nombreux amoureux lui valut la réprobation de tous. 
A cela s’ajouta que personne ne prit le temps de reconnaître la valeur de l’or que filaient ses mains inlassablement affairées.
Comme seuls le lac et la rivière reflétaient la douceur de ses traits et de son tendre corps de femme, elle s’en fût sur les chemins, errant à la recherche de son image à la surface de l’eau. 
C’est ainsi qu’elle devint la nymphe des reflets enchanteurs. On retrouve sa trace dans maintes représentations de l’eau. 

Avec Amélie - 5 Rythmes (01/2007)

 
16 septembre 1962

Une demoiselle d’une dizaine d’année m’avait commandé un tableau…

Quand le soleil s’en mêle…

Si vous souhaitez voir mes dernières oeuvres exposées, jetez un coup d’oeil sur la page de la galerie virtuelle dans la colonne de droite, elles sont visibles jusqu’au 11 mars 2007 à la Villa Dutoit.

“La Maison Des Artistes a interpellé le maire de Paris sur la politique culturelle adoptée à l’occasion du chantier du tramway de Paris qui s’est adressé aux vedettes internationales de l’art contemporain. Dans l’édition de la revue Beaux Arts de février 2007, Christophe Girard dit :”la Maison Des Artistes nous a reproché d’avoir eu recours à des artistes qui ne sont pas exclusivement “parisiens”.

Le Président et les membres du bureau de la Maison des Artistes répondent : “La Maison des Artistes est probablement l’association d’artistes la plus cosmopolite et la plus multiculturelle en France avec ses 15000 associés dont plus de 6000 à Paris. Entièrement financée par la solidarité des artistes, elle se consacre sans la moindre discrimination à l’aide et au soutien aux artistes plasticiens, peintres, sculpteurs, graveurs, graphistes. Elle est particulièrement bien placée pour connaître les difficultés quotidiennes des artistes. Difficultés économiques, difficultés à trouver des lieux de travail à un prix abordable, notamment à Paris. Il était donc normal qu’elle interpelle Le Maire de Paris sur la politique culturelle adoptée à l’?occasion du chantier du tramway de Paris. Deux choix s’offraient à la ville, s’adresser aux vedettes internationales de l’art contemporain pour réaliser une opération de communication à l’occasion de l’inauguration du tramway, ou profiter de la médiatisation de cette manifestation pour promouvoir et soutenir des artistes de toutes nationalités, car nous avons bien écrit de toutes nationalités, vivant et travaillant en France. C’est Le premier choix qui a été fait, nous l’avons regretté et nous avons protesté. Monsieur Christophe GIRARD nous répond dans « Le Parisien » et dans Beaux Arts Magazine. Selon le Maire adjoint à la Culture, demander que l’argent public serve à accompagner et à soutenir les artistes de toutes nationalités qui vivent et travaillent en France, demander que la Ville de Paris soutiennent les artistes et ne se comporte pas comme un collectionneur privé, ce serait « à l’époque de la mondialisation, du nationalisme déplacé » ! En falsifiant notre demande, Monsieur Christophe GIRARD nous assimile à l’extrême droite et nous accuse de défendre la préférence nationale, voire même parisienne, ce qui n’a jamais été la philosophie de la Maison Des Artistes.”"

La loi n°2003-239 du 18 mars 2003 pour la sécurité Intérieure a instauré un nouveau délit pour les personnes prostituées, dit délit de racolage passif : « Art. 225-10-1. - Le fait, par tout moyen, y compris par une attitude même passive, de procéder publiquement au racolage d’autrui en vue de l’inciter à des relations sexuelles en échange d’une rémunération ou d’une promesse de rémunération est puni de deux mois d’emprisonnement et de 3 750 EUR d’amende. »

En 2002, La Commission Nationale Consultative des Droits de l’homme, lors de sa consultation sur le projet de loi, signalait « qu’en l’état, les sanctions pénales proposées concernant les seul(e)s prostitué(e)s ne peuvent être admises ». Elle s’émouvait « d’autre part du sort réservé aux prostitué(e)s d’origine étrangère, victimes de réseaux organisés et violents : la remise d’un titre de séjour provisoire est liée à un témoignage ou à un dépôt de plainte alors que ce titre, limité à la durée de la procédure judiciaire, aura pour effet d’exposer le bénéficiaire ainsi que sa famille, à de graves mesures de rétorsion, voire de violences sans qu’il y ait même en contrepartie la possibilité pour elle d’avoir l’espoir de s’extraire de la prostitution et de s’insérer.»

Rappelons également que la France est signataire du protocole de Palerme qui garantit la protection des victimes de traite. Depuis 2003, les personnes prostituées sont donc soumises à de fortes amendes. Elles doivent donc continuer à se prostituer pour les payer ; l’Etat devenant ainsi indirectement proxénète. D’autre part, elles sont obligées de quitter des lieux fréquentés pour gagner la périphérie des villes où elles courent moins le risque d’être arrêtées ; leur sécurité n’est donc pas assurée. Les associations d’aide aux prostituées soulignent toutes que, depuis l’application de cette loi, les personnes prostituées sont en plus grand danger qu’auparavant ; insultes, agressions, coups et blessures, violences sexuelles.

La définition fort vague, du délit de racolage passif, a contraint les syndicats de police à établir quatre critères pour décider ou non d’une arrestation ; l’heure, le lieu, la tenue et l’attitude ; critères pouvant s’appliquer a toute personne et plus particulièrement aux femmes. Cette loi, loin de réprimer les réseaux mafieux, fragilise davantage les personnes prostituées et contraint toutes les femmes à surveiller leur attitude, leur tenue, les heures auxquelles elles sortent et les lieux où elles sont.

Nous demandons donc l’abrogation immédiate de l’article de loi sur le racolage passif.

Sincerely,

http://petitiononline.com/racolage

Vieux c’est mieux, soutient cette pétition

Pour en savoir plus :

http://lesputes.org/

Notre mental nous malmène, il accompagne toutes nos pensées quelles qu’elles soient et il nous trompe. Il dit et peut prouver tout et son contraire, il a toujours raison. Le corps, lui, ne ment pas. Comme disait Josie Gay, mon écrivaine public préférée, “sans le senti, le mental ment…”, joli non? Lors d’une formidable conférence sur la Naissance et la Mort, enregistrée en 2004 par Lydia Müller (psychologue et thérapeute s’intéressant particulièrement aux problématiques de fin de vie), j’ai pris conscience de la grande nécessité de donner. Oui donner… et mon mental m’a dit de donner… alors pour lui faire la pige, j’ai décidé de donner, oui, mais du corps et du senti à mes semblables.

C’est la raison pour laquelle je propose le prochain week-end les 17-18 février (malgré l’expo la semaine suivante). Nous avons décidé avec Amélie qu’il nous faut un minimum de 10 participants pour pouvoir le mener à bien. Sinon c’est reporté au 26-27 mai. A bons entendeurs!

Contact: musarde@muzarte.net

LA DANSE DES 5 RYTHMES:
“Au confluent des approches modernes du corps et de la psyché et des pratiques chamaniques ancestrales, outil à la fois simple et puissant pour se relier à soi, au groupe et à la dynamique de la vie. Enchaîner les 5 rythmes, c’est danser “des vagues” et laisser agir leur flux libérateur et régénérateur.”
- Fluide: rondeur - enracinement - goût de soi
- Staccato: clarté - limite - expression de soi
- Chaos: lâcher prise -abandon à l’inconnu
- Lyrique: légèreté - magie d’?être multiple
- Quiétude: immobilité en mouvement - paix

AMELIE SCHWEIGER
Danseuse, formée aux U.S.A. par Gabrielle Roth. Enseignante certifiée de Danse des 5 Rythmes TM.
Pratique approfondie de divers outils de développement du corps en mouvement et du toucher guérisseur : Danse Contact Improvisation, Body Mind Centering, massage sensitif.
Pédagogue (Maître de conférences à l’Université, animation d’ateliers d’écriture).
Artiste : création poétique (publication de recueils) et travail de la voix (dix ans de chant lyrique).

STAGES ET ATELIERS 2006/2007

A PARIS
De 11h à 18h : dimanche 29 octobre ; samedi 20 janvier ; samedi 10 février ; dimanche 29 avril ; samedi 30 juin; dimanche 1er juillet.
Tarif : 60 Euros / 50 Euros si inscription deux semaines avant le stage.
Lieu : Regard du Cygne (voir adresse ci-dessus).

A ANNECY
4 week-ends : 18-19 novembre 2006;
27-28 janvier ; 17-18 février; 26-27 mai: ANNULES POUR LE MOMENT, MAIS NOUS CHERCHONS ACTIVEMENT UNE SALLE
Ça y est, nous avons trouvé une superbe salle chez Maryse Daléas.
Contact : musarde AT musarde.net .

A ANTONY
de 11h à 18h, samedi 31 mars 2007

EN AUVERGNE
3 week-ends: 9-10 décembre; 24-25 mars; 19-29 mai; 23-24 juin.
Contact: Denise Lesturgeon 04 73 31 13 63 / 04 73 85 54 64 - denise.lesturgeon@tele2.fr

DANS LES CEVENNES, A CAZILLAC (34)
Les 13-14 janvier 2007; du 29 juillet au 2 août 2007.
Contact Elisabeth Creasy 04 67 81 14 63
pol.figs@wanadoo.fr

COURS HEBDOMADAIRES

A PARIS
Dimanche 11h-18h
22 octobre; 5, 12 et 26 novembre; 3 décembre; 7 et 21 janvier; 4, 11 et 25 février; 11 mars; 1er et 22 avril; 6 et 13 mai; 17 juin.
Tarif: 15 euros.
Lieu: Regard du Cygne / 210, rue de Belleville / 75020 Paris (métro Télégraphe). Téléphoner à Amélie pour avoir le code d’entrée.

A ANTONY
Jeudi 19h30-21h30 - tous les jeudis à partir du 19 octobre.
Tarif: 12 euros
Lieu: Ecole nouvelle d’Antony / 6 av, d’Alembert / 92160 Antony (RER B, Parc de Sceaux).

INFORMATIONS ET INSCRIPTIONS
Amélie Schweiger - Association Les Vies Dansent
06 83 19 63 96
goundor@yahoo.fr
http://www.lesviesdansent.fr/

POUR PLUS D’INFORMATIONS SUR LA DANSE DES 5 RYTHMES TM
http://www.movingcenterschool.com/
http://www.gabrielleroth.com/
http://www.5rythmsuk.com/

 

ANKH C’est le hiéroglyphe qui signifie “vie” dans l’Egypte ancienne.
http://www.histoiredumonde.net/article.php3?id_article=1025 

A(N)KH C’est aussi un lieu de lumières et de magie décoratrice au centre d’Annemasse. C’est le règne du design et du gadget branché. On y fait des trouvailles originales et il y en a pour tous les budgets. L’accueil est très convivial et on s’y sent vite chez soi avec l’humour d’Alain et la gentillesse de Jean-François. Je sais… j’ai l’air de faire de la pub, mais je n’y peux rien, quand j’aime je ne compte pas mes mots. Hier soir vernissage très sympa. Petite fête entre amis entourés du charme des objets lumineux de la boutique. Une soirée joyeuse et tranquille avec de chaleureuses retrouvailles, des rencontres et des découvertes. Tous ces regards sur ma peinture, tous ces compliments, dont certains jaillissaient du coeur (je le sens tout de suite)… Voilà qui nourrit un peu mon ego en mal de reconnaissance; ça réchauffe des longues semaines dans la solitude de l’atelier. Après la tension de la préparation, l’accrochage, les réglages de l’expo, et l’organisation, tout à coup c’est une explosion d’énergie sur le plan de l’auto estime. Bref ma soirée “diva”… Mais je ne voudrais pas tirer toute la couverture à moi. Il n’y a pas que moi en ce moment chez A(N)KH… Jean-Pierre Perret-Jeanneret (alias JPPJ), un faiseur d’objets un peu déjantés qui refuse de se considérer comme un sculpteur, expose ses totems marrants et ses montages à “gueules de cake” (comme il dit)… une série de gros galets peints et un mikado géant.
Merci à tous ceux qui étaient là hier soir, merci à Alain, Annie et Jean-François qui ont permis ce moment privilégié.

http://www.act-art.ch/modulo/page.php?id=266

Exposition dans la halle Nord du Centre d’Art en l’Ile
1, place de l’Ile
1204 Genèvedu 19 octobre au 5 novembre 2006
du mardi au vendredi de 13h30 à 18h30
samedi et dimanche de 11h à 17h

Serait-ce la seule consolation pour passer le cap des soixante? Peut-être, sans le concours de mes enfants et de mes amis si chers. Imaginez que vous êtes invité à dîner en famille aux alentours de votre anniversaire. Vous apportez deux trois bricoles comme d’habitude… pas un bruit, rien d’anormal, juste quelques lanternes sur le pas de porte. Vous frappez, vous ouvrez et c’est le choc. Ils sont tous là, je ne sais pas combien, 25 ou 30… tous vos plus chers amis ravis du bon tour qu’ils vous ont joué. C’est la première fois qu’il m’arrivait ce genre de chose. Je me suis sentie à la fois importante et confuse, j’ai régressé un bon gros coup, je ne savais plus que dire et par où commencer. Mes enfants avaient préparé un buffet exquis. Comment remercier pour toutes ces magnifiques fleurs et ces somptueux cadeaux… bijou, oeuvre d’art, musique, livre d’art, adorables dessins d’enfants… enfin tenez vous bien… un appareil photo reflex numérique avec deux objectifs… moi qui entretenait cette envie depuis plusieurs mois dans les catalogues de photo! Je l’ai inauguré maladroitement pour immortaliser la table croulant sous les fleurs. Ce n’est peut-être pas la photo du siècle mais les fleurs n’attendront pas que je sois experte. Je pensais qu’il m’incombait de me soucier du bien-être de mes enfants et je ne m’étais pas rendue compte que les temps changent, ils se sont donné beaucoup de peine pour moi. Un immense merci à Valérie, Matthias et Mélie, à mes amis, ma petite famille qui m’ont offert ce généreux hommage. Je vous aime.

Références:
“Calendrier lunaire” - Calendrier Lunaire Diffusion - 6, rue des Prés Verts - 39120 Chêne-Bernard
Noël Vermot-Desroches - Tél. 03 84 81 86 19 - Fax 03 84 81 84 74
Michel Gros - Tél. 03 84 81 42 12 - Fax 03 84 81 41 78
http://www.calendrier-lunaire.fr/nvd.lune@wanadoo.fr

Louise White, en 2000 Il y a quelques jours Judy, la femme de Loren White que tout le monde appelle Dutch, m’a téléphoné pour me proposer de participer à un mémorial en l’honneur de Stanley et Louise White, couple d’américains hors du commun.Pour commencer, je dois dire merci à Stan et Louise pour la liberté que m’a autorisé leur ouverture d’esprit et leur extraordinaire capacité d’accueil. C’est bien parce que j’étais certaine de retrouver ce port d’attache au moment voulu que j’ai pu m’offrir la liberté de passer plusieurs mois aux USA en 1970. Ils m’ont accueilli au retour, sans question, comme un enfant qui revient, ça ne s’oublie pas. Atterrir chez White, ce n’était pas n’importe où. C’était un fameux pôle de rencontres où il était difficile de vivre la solitude ou l’isolement. C’était un endroit réellement excitant, non seulement il y avait toujours du sang frais, mais il y avait un courant d’idées très entretenu. On y débattait écologie, société, politique, art, philosophie, métaphysique, et pour ce qui est de l’amour on ne faisait pas qu’en parler -  bref on s’y construisait un monde meilleur, ça va de soi. Inutile de dire que pour accompagner les côtés stimulants et créatifs, il y avait aussi quelques illusions dans l’air et les maux existentiels noyés dans le mélange des identités ressurgissaient tôt ou tard. On échappe difficilement à ses propres chimères, mais chez White elles évoluaient sur un écran panoramique. Stan et Louise étaient des exilés du Mac Carthisme et leurs valeurs morales étaient fortes. Le clan White s’est édifié en Europe sur fond d’intégrité de caractère. En d’autres temps, Stan jeune et brillant avocat, aurait certainement développé une belle carrière aux USA, mais, pas plus que Louise, il n’a accepté de se plier aux humiliations infligées par la violente ségrégation raciale en vigueur à l’époque, il n’y avait même pas à choisir. Amer destin d’exilés, rebelles peut-être, mais pas résignés.
Stan avait du coffre, non seulement physiquement par sa présence imposante, mais il voyait grand, en patriarche conscient de son rôle, il a implanté son clan dans un terreau généreux. La maison de Veyrier, pouvait contenir pas mal de monde et ceux qui ne trouvaient pas leur espace là, construisaient la maison de la Roque sur Cèze.
Difficile d’évaluer le nombre de jeunes qui ont gravité autour du clan entre les années 60 et 90, et qui comme moi, ont fait plus ou moins partie de la famille.
Stan avait le sens des largesses et j’ai souvenir qu’il remplissait le frigidaire sans compter quand les traductions payaient bien. Il donnait l’impression que l’argent n’avait pas d’importance pourvu qu’il y en ait. Il avait une façon très directe, même un peu dure de rabattre le caquet des femelles trop excitées (j’en sais quelque chose), en somme il mettait bon ordre dans le poulailler. Je n’oublierai pas non plus ses baisers de propriétaire à chaque nouvel an. Bref un mec, un vrai, comme on n’en fait plus.Louise, c’était du concentré de bonne femme, du caractère, un regard d’aigle, un jugement pointu. Elle vous calibrait en quelques secondes. N’empêche que dans les moments un peu difficiles, je me suis souvent adressée à ses talents divinatoires. Elle savait exactement les mots sur lesquels s’appuyer pour vous tracer un futur acceptable. Elle pointait juste, au bon endroit, sachant désigner une direction rassurante. Un déménagement, un changement de carrière, des hésitations, un enfant, un projet important -  je faisais confiance à sa vision du monde. Je n’ai peut-être pas suivi toutes ses directions à la lettre mais je me suis souvent référée à ses conseils sages et à ses critiques pertinentes pour l’essentiel. Louise se lançait fréquemment dans une rhétorique sophistiquée et la plupart du temps je ne pouvais pas la suivre, mon anglais ne m’y autorisait pas mais j’admirais son incroyable capacité à s’extraire de la réalité ordinaire. J’ai connu Louise bijoutière, tisserande quand elle n’était pas secrétaire ou traductrice, puis chroniqueuse radiophonique virulente jusqu’à la toute fin de sa vie. Je n’ai pas connu la période beaux-arts, mais j’ai vu des croquis qui ne déméritaient pas. Louise était multiple, intelligente et pour ne rien gâter de son impressionnant capital d’énergie, une rivale vigoureuse jusqu’aux moments ultimes de son existence. Elle savait s’entourer d’une compagnie d’adorateurs masculins et les derniers mois de sa vie sont inoubliables. Dès l’annonce de la maladie, il n’y a pas eu un soir où elle n’ait été célébrée et entourée par ses admirateurs. Si elle était encore de ce monde, j’en serais verte de jalousie. Elle n’a eu qu’un seul regret face à la mort, c’est de devoir arrêter la fête. Qui peut mériter une telle fin, à 86 ans, si ce n’est une grande dame et comment lui rendre mieux hommage ?

Depuis juin 2000, Louise figure sur l’autel de mes ancêtres adoptés, son esprit m’accompagne. Hugh!

“Trou”, 30 x 40 cm

“Cailloux”, 30 x 40 cm

Participation :
Atelier de Découverte du Vendredi 18 août 2006 = 30 euros
Samedi + Dimanche = 110 euros (si inscription avant le 01/08/06 = 100 euros)
Vendredi + Samedi + Dimanche = 120 euros (si inscription avt le 01/08/06 = 110 euros)

Contact et inscription :
Denise Lesturgeon 04 73 31 13 63 / 04 73 85 54 64
Denise.lesturgeon AT tele2.fr

Prochains stages prévus :
9-10 décembre 2006 / 24-25 mars 2007 / 23-24 juin 2007.

La céramique

“Hydre hydraulique”
Etude pour une fontaine monumentale à sept jets (bronze)

Bronze à la cire perdue en modelage direct sur tige inox.
Pièce unique, hauteur totale 204 cm, hauteur du bronze 65 cm

Je n’ai retenu ici que les pièces à dimension humaine. Il y avait bien sûr beaucoup à voir et avec Mariedanielle ( http://mariedaniele.free.fr  - http://www.muzarte.net/blog/?p=56  - http://www.muzarte.net/blog/?p=58 ) on a bien aimé la vidéo qui montrait une multitude de personnages sur une série de moniteurs, racontant tous une histoire différente. Ils étaient très présents, bien vivants, ça sentait aussi l’humain. Il y a des plasticiens qui ont de bonnes idées et du savoir faire tout plein, mais je suis sortie de là complètement assommée par le gigantisme des oeuvres et la vague impression que séduire le spectateur n’a plus beaucoup d’importance puisqu’il avale tout ce qu’on lui donne avec ravissement. Je ressens comme un léger malaise en me disant que je fais partie de la famille de ces artistes contemporains (le Grand Palais en moins, ce qui n’est pas rien, j’en conviens). Bon je m’arrête là on pourrait croire que je suis envieuse et ce serait à moitié faux. Il reste les catalogues de l’exposition et autres publications, si quelqu’un veut voir pour croire… Voir aussi Pêle-Mail: http://fdrouin.free.fr/wordpress/index.php?p=224

http://atelierdemusarde.blogspot.com

Un coup de foudre d’hier à Europ’Art hier. Irrésistible! Je tourne la tête à chaque fois que je passe devant la cheminée pour regarder la petite merveille ramenée à la maison. C’est beau, fin, élégant.

Suivez le lien pour en voir plus sur le site de l’artiste (oui il fait aussi des tableaux) http://www.alainfichot.com

A part ça bien-sûr il n’y avait pas qu’Alain Fichot à Europ’Art, il y avait aussi les terres cuites de Chris Gullon qui ont une présence millénaire asiatique assez fière.

La céramique suisse a également son mot à dire, par exemple Rebecca Maeder, a produit d’énormes éponges en grès qui sont fascinantes : http://homepage.mac.com/rebecca.maeder/ACCUEIL/Menu9.html

Chez les peintres, j’ai particulièrement apprécié le travail de la Coréenne Purume Hong http://www.hongpurume.com/  , c’est de l’encre noire et ça m’assied littéralement.

Cha, Myung-Hi sur le même stand m’a aussi pas mal impressionnée, dépouillé et monochrome, un langage direct qui dit tout en peu de gestes.

Je ne parlerai pas de Bastien Chevalier qui montrait de la marqueterie, (quelle technique!) exécutée de telle façon que j’ai d’abord pensé que c’était de la peinture… et pas n’importe quoi! contemporaine, élégante, lumineuse, avec un look de spontanéité qui surprend quand on sait la méticulosité de la marqueterie. http://www.bastienchevalier.ch/  et info@bastienchevalier.ch  

Impossible de tout dire et en particulier Act-Art, qui animait un espace à côté du snack. Avec la présence de Denise Tschumi, ça sentait la liberté, ça fait toujours du bien!

“Eau de Cologne”, encres, 50×70cm
“All wet”, huile sur toile, 40×50cm

Hans Baldung, Les trois âges de la vie

Une vision qui m’a prise à la gorge lors de la visite du Musée du Prado… c’est assez macabre, mais comment faut-il s’y prendre pour relativiser les états d’âme? Ca peut changer la façon dont je me regarde dans le miroir, disons que mon sens critique devient plus souple face à un tel inéluctable. Ca m’aurait rassurée de voir l’équivalente représentation sur le corp masculin, pourquoi faut-il si souvent que ce qui parle de dégradation des corps soit fixé sur une image féminine? Je rejoins Nancy Huston dans son “Journal de la création”: en finira-t’on avec cette dichotomie de l’homme-esprit et de la femme-corps?

Annette Genêt, aquarelle

Après un weekend de danse où j’ai reconstitué mon stock de joie de vivre et d’énergie (il faudra que j’en cause), voilà que ma ligne téléphonique a été interrompue pendant presque 5 jours… Impossible de rejoindre la toile… mais ça n’est pas faute d’y avoir pensé! Je songeais avec émotion à Goldenlucyd (voir la blogroll de Blogging in Paris), à son chat Etherl qui était vieux et malade, peut-être déjà dans un monde meilleur… et je lui envoyais des bonnes “vibes”… et puis à tous ces liens virtuels et pourtant bien humains qui peuplent mes pensées de blogueuse. A quelque chose ce débloguage aura été utile et ma petite entreprise n’a as totalement dérivé. J’ai mis les bouchées doubles à l’atelier: scie-ponce-colle-cloue-encolle… En attendant de voir à quoi vont servir tous ce support à peindre encore vierges, je me décerne une fois de plus (mais publiquement cette fois), l’ordre de la mauvaise conscience. De toutes façons, quoi que je fasse, il y aura toujours de bonnes raisons de se la décerner. En tout cas je laisse la médaille en ligne, ça peut toujours soulager quelqu’un.

Les canons de l’époque étaient mieux nourris que ceux d’aujourd’hui…

Démarche

La lithographie ou la gravure sont des techniques d’imprimerie alors que la « lithographie originale » et la « gravure originale » sont des moyens de créations artistiques qui utilisent les techniques d’imprimerie précitées. Il en va de même pour « le bronze à la cire perdue en modelage direct» : c’est un moyen de création qui utilise la technique industrielle de la fonderie à la cire perdue. Maîtriser de A à Z la création et la réalisation d’une Å“uvre, permet d’aller beaucoup plus loin dans son accomplissement, cela nous autorise des prises de risques « technico-artistiques » que la plupart des fondeurs d’art n’osent pas prendre (ce qui est logique).

Processus

Le point de départ est un modelage en cire malléable. Il a la spontanéité de tous les modelages. Pour les petites pièces (moins de 20cm) le modelage se fait généralement sans armature, au-delà de cette dimension, la cire, n’ayant pas une rigidité suffisante il est nécessaire de la « monter » sur une armature en cuivre ou en laiton, elle disparaîtra au moment de la coulée. Ce modelage, pour être coulé doit être préalablement « équipé » des canaux techniques nécessaires à « l’entrée » du métal et à l’évacuation des gaz. Pour confectionner le moule, cet ensemble, sera noyé dans une « potée » (personnellement, j’utilise un plâtre réfractaire de ma composition.) Il est possible de trouver, dans le commerce différentes variétés de réfractaire prêt à l’emploi. Ce moule est dans un premier temps «déciré » à la vapeur, puis il est cuit à une température de 800°C, afin de conserver un maximum de calories donc de fluidité au métal, il est sorti chaud du four (entre 300 et 400°C). Au moment de la coulée, pour résister à la pression du bronze, le moule est calé par du sable dans un châssis métallique. Le bronze entre dans le moule par le cône de coulée (une sorte d’entonnoir), il descend par le canal de coulée, il entre dans la sculpture par son point bas pour remonter à l’intérieur. En remontant le métal se refroidit, il est nécessaire de « nourrir » la sculpture avec du bronze chaud, cette alimentation est faite par des canaux ascendants qui relient le canal de coulée à la sculpture : Ce sont les jets, ils sont placés selon des orientations et une fréquence qui varie en fonction de la forme de la sculpture. En plus de l’air contenu dans le moule, la coulée produit des gaz, ils sont évacués par les « évents », ils sont généralement placés à l’opposé des jets ainsi que sur tous les points hauts de la sculpture. Le point de fusion du bronze est légèrement supérieur à 900°c. Il est fondu dans un creuset. Pour une question de fluidité, la coulée se fait à une température de1200°c. Après refroidissement le moule est retiré du châssis, il est cassé, la sculpture réapparaît, les canaux techniques ayant été remplis de bronze : il faut les tronçonner, et faire disparaître bavures et diverses imperfections (c’est le surfaçage). On termine le processus par la patine.

Il est important de souligner que cette pratique comporte des dangers. Il me semble opportun de démentir une légende aussi folklorique que dangereuse : le bronze à la cire perdue ne se coule jamais directement sur la cire. Si quelqu’un tentait l’expérience, la réalité serait la suivante : dans un espace fermé, en une fraction de seconde, la cire passerait d’un état solide à un état gazeux inflammable, la brutale augmentation de pression qui en résulterait provoquerait une explosion : c’est la définition d’une bombe (la même réaction se produirait avec des métaux « à bas points de fusion »).

James BAYLE

http://www.lamaisondesartistes.fr/

“Flottement”, fusain, 50×70 cm

 

 

“Echo & co”, encre de Chine sur papier artisanal, 24 x 31 cm

 

Quels enjeux, quelles actions, quelles politiques ?
Quels systèmes professionnels pour l’artiste plasticien ?

Colloque national des 14 et 15 mars 2006

organisé par l’Association Culture et Départements, le Conseil général de la Dordogne et l’Association Départementale de Développement Culturel de la Dordogne Centre Départemental de la Communication - 1, cours Saint-Georges, Périgueux, Dordogne.

Le CIPAC organise un colloque sur le thème des enjeux de l’art contemporain. A priori, ça peut paraître intéressant. Dommage que ça se passe à Périgueux, la Dordogne, c’est pas la porte à côté. De plus j’ai de la peine à comprendre que les frais d’inscription à ces colloques soit aussi élevés (100 euros- pour les adhérents de Culture et Département 70 euros - pour les étudiants 20 euros). Quels artistes ont les moyens de s’offrir le luxe d’un déplacement en Dordogne pour deux jours avec de tels frais de participation? Serait-ce que les initiateurs du colloque et les intervenants souhaitent rester entre soi? Les artistes n’auraient pas leur mot à dire? Ou craindrait-on la contradiction?

J’me sens comme ça!

Petit retour sur soi… Voilà ce qui avait surgit au sortir de dix jours de méditation immobile dans un ashram. Etais-je vraiment faite pour ça? La réponse est là , presque obscène, une énormité, pour illustrer toute cette énergie reniée. Le diable me rattrape toujours, même au paradis.

“Dernier tango sur terre”, huile sur toile, 150×220cm

(d’après Delacroix: “Le combat de Jacob avec l’ange”, à l’église St-Sulpice à Paris)

C’est idiot, j’ai fait ça pour snober un copain uruguayen et maintenant je l’ai sur les bras… c’est pas très passe-partout. Le pire c’est qu’il y en a plusieurs modèles! Je me demande où j’avais la tête? J’avais bien pensé le proposer à une boîte mais ils ont tous leur décorateur designer branché. Peut-être que ça pourrait intéresser un forain? Si vous avez une idée, n’hésitez pas.

Tisseuse de rêve, (25 x 31 cm)

Flottements

Sabine (email du jour)

 
“Rougeur”, 85 X 115 cm

“Déraison”, 12 x 17 cm

Sabine Oppliger, acrylique, technique mixte sur toile sabinepierre@dplanet.ch

Quelque chose de passé, un peu comme le temps

http://covonline.net/index.php/archives/category/diving-into-the-past/ 

Les commentaires et les sites qui accompagnent le sujet sont nombreux et intéressants. Lunette Rouge est vivifiant, merci à lui.

http://www.lamaisondesartistes.fr/publications/article.php3?id_article=125

Martian Ayme www.martian-ayme.com , artiste plasticien Haut-savoyard me transmet ce billet destiné au Bloc Note de la MAPRA:C’EST PAS D’LA SOUPE… Le Gouvernement a l’ambition de “…faire de Paris une place de création majeure.” Tels sont les termes utilisés par M. le ministre délégué au budget et à la réforme de l’État à propos de l’alinéa 9 de l’article 93 du Code général des impôts qui vient d’être voté et qui commence ainsi :

« 9. Les auteurs Å“uvres d’art au sens du 1° du I de l’article 297 A bénéficient d’un abattement de 50 % sur le montant de leur bénéfice imposable au titre de la première année d’activité ainsi que des quatre années suivantes… » Bien loin de moi l’idée d’un crachat dans la soupe. Les artistes ont bien de la chance : le gouvernement reconnait leur importance, et leur donne un coup de pouce en leur dénichant une niche fiscale. Mais la réalité est peut-être un peu moins glorieuse : à y regarder de plus près je ne suis pas sûr que cette mesure risque de coûter bien cher à notre gouvernement ; explication…

Au vu de leurs revenus actuels quel sera le pourcentage, ou le nombre d’artistes qui débutent et qui auront des revenus suffisants pendant leurs 5 premières années (à compter de 2006) pour vraiment en profiter ; surtout que ces dispositions ne s’appliquent qu’aux revenus résultant de la cession des Å“uvres, et cessent de s’appliquer en cas d’étalement. Combien d’artistes vont pouvoir profiter à plein de cet abattement limité à 50 000 euros par an (somme généreuse au demeurant) à part quelques uns, et encore ; en tout cas certainement pas en région ! La soupe ne serait-elle qu’un brouet clair ? Je note au passage que l’ambition porte sur Paris, et sur les revenus ! Elle ne porte pas sur l’ensemble du pays, ni sur les difficultés qu’ont les artistes, tous les artistes, pour être vus. Combien d’artistes “invisibles” par manque de lieux, pour combien de montrés en quelques lieux choisis ? Peut-être que si on voyait un peu mieux les “jeunes artistes”, et tous les autres, le public pourrait déjà mettre lui-même un peu de gras dans la soupe ; et les jeunes artistes mieux profiter de l’alinéa.

Et puis j’aimerais bien que l’on me dise si les intéressés, les artistes en l’occurence, ont été consultés… Si, par exemple, la Maison des artistes qui, me semble-t’il, vu le nombre de ses adhérents, peut être estimée comme “assez” représentative de la profession, a eu son mot à dire dans le cadre de la préparation du 93, alinéa 9. Non, vous ne me ferez pas dire que c’est du rata[ge], mais j’y ai pensé. Le jour où les intéressés (et les artistes ne sont pas les seuls !) seront consultés, et entendus, et où l’on pourra commencer à envisager des mesures véritablement efficaces, je n’y penserai plus.

Martian AYME (Février 2006)

Comment les artistes fournissent les bâtons pour se faire battre. La personnalité artistique n’a cure de pouvoir, ici, le mot pouvoir est associé à celui de créer. L’artiste est assez fréquemment mauvais gestionnaire de sa carrière, et s’il ne développe pas cette capacité d’autres s’en chargent pour lui à ses dépens. Nous possédons tous ce que C.G.Jung a désigné par le nom de Personna, c’est notre face visible en société, la vitrine de notre personnalité. Nous donnons à connaître publiquement une personnalité particulière, sérieuse ou légère, amicale ou fermée, solidaire ou égocentrée, bohème ou carriériste, exubérante ou retenue, etc. En approfondissant le caractère d’un individu, on découvre que derrière la façade peut se cacher son opposé, et cette apparence dissimule généralement des vulnérabilités. Tout ça pour dire que nous ne sommes pas monolithiques, nous possédons de nombreuses facettes de personnalité. Le contenu de nos pensées, nos comportements sont mus par diverses énergies qui nous traversent et parfois nous habitent depuis l’enfance. Nous pouvons très bien avoir des parties en contradiction et il n’est pas aisé de les harmoniser. Pour avoir la paix, nous sommes parfois tentés de donner raison à l’une et aussitôt l’autre réclame ses droits. Toute la difficulté est de supporter ces oppositions qui nous tiennent dans un équilibre inconfortable. Notre équipe intérieure est parfois difficile à contrôler.Certaines de ces voix intérieures sont très enfantines, comme par exemple celle de l’artiste. L’énergie de l’artiste veut toute la liberté, elle ne supporte aucune entrave, elle ne veut entendre aucune raison. Elle est très séduisante et offre des passions et d’immenses compensations aux maux existentiels, elle procure des plaisirs incomparables. En apparence, il y a de quoi faire des envieux. Cependant, à l’excès elle peut devenir toxique et envahir toute la personne. J’ai entendu dire à plusieurs reprises qu’un authentique artiste, c’est celui qui ne peut pas faire autrement que créer. Je crois que c’est vrai, mais si ce côté de ma personnalité est un fil moteur et occupe une place centrale dans ma vie, je revendique également pour mon équilibre l’existence des autres facettes.  Pour aborder les aspects gestionnaires, peut-être moins séduisants que ceux de la création, s’il n’y a personne dans ma petite entreprise pour accepter de jouer ce rôle, l’énergie artistique risque de m’entraîner dans la misère. Mon travail sera peut-être magnifique et même reconnu mais dans le meilleur des cas il profitera à une entreprise extérieure mieux organisée que la mienne. Les clichés ont hélas encore de beaux jours : l’artiste maudit, la bohème, la dèche, rien de très agréable ni confortable. Non merci !

Si je ne gère pas mon temps, mon travail ou mes finances, d’autres vont s’en charger à mes dépens. Chaque fois que je renie un aspect de ma personnalité, chaque fois que je rejette une partie de moi aux oubliettes de l’inconscient (par exemple l’argent ou le pouvoir dans ce cas précis), il ne se passe pas longtemps avant que ce terrain laissé vacant ne trouve preneur. La situation est comme aimantée, ce qui doit être géré appelle immanquablement un gestionnaire et si je laisse cette place inoccupée elle sera récupérée pour le bonheur d’une entreprise extérieure. Si vraiment je décide d’attribuer une place très large à mon énergie artistique, il me reste encore une dernière solution, celle de la sous-traitance, encore faut-il en avoir ou s’en donner les moyens.

http://www.etant-donne.com/pagesressources.htm

M’intéressant à tout ce qui parle d’art contemporain dans ma région, j’ai récemment exploré le site de l’Agence régionale de médiation culturelle et de sensibilisation à l’art contemporain Etant Donné, implantée à Annecy. Bien que sous son intitulé, elle prenne l’apparence d’une agence officielle, en réalité elle est une entreprise privée, prestataire de services. Monsieur Alain Livache, en est le directeur et propose ses services en tant que médiateur culturel aux  « éus - cadres territoriaux - responsables d’associations, de centres d’arts et de musées - dirigeants de structures culturelles, socioculturelles, sociales ou éducatives - chefs d’entreprises - enseignants  » afin de collaborer aux missions dont ils ont la charge.

Il y a environ deux ans, l’Agence Etant Donné a été chargée du recensement des artistes et des diffuseurs par l’Assemblée des Pays de Savoie (entité officielle regroupant les moyens des Conseils généraux respectifs des deux départements savoyards). Il est à noter que cette idée avait déjà été proposée sous une forme très différente par un artiste Haut-Savoyard (James Bayle), créateur de l’ex-Taninges Art Contemporain (manifestation très favorable aux artistes). Selon Monsieur Bayle, la proposition devait reposer sur le respect de la législation concernant le statut de l’artiste professionnel; dans la formule qu’il a rendue publique, Monsieur Livache en aurait adapté et déformé le contenu !

Monsieur Alain Livache, est commissaire dans diverses expositions en Haute-Savoie et se montre très actif dans de nombreuses manifestations et colloques concernant l’art contemporain (par ex. il intervient lors des prochains séminaires du Cipac: « Art contemporain et départements »,  les 14 et 15 mars 2006, en Dordogne).
Je vous livre ici quelques réflexions.

Qu’est-ce que l’art contemporain ?
Certes pas un mouvement au sens historique, pour ça il faudrait qu’il soit institutionnalisé comme le fut par exemple Dada. Que faut-il donc pour parler de mouvement au sens historique ? Le mouvement Dada était-il de l’art  contemporain ? Etait-ce un art élitiste ? Etait-ce même de l’art ? N’a-t-on pas institutionnalisé la farce pour éviter d’en être les dindons ?
L’art contemporain est aussi insaisissable que le temps auquel il se rapporte. Il s’inscrit dans une dynamique éphémère, c’est en cela qu’on ne peut ni l’enseigner, ni forcer quiconque à l’apprécier. C’est un art du présent, il est la passerelle furtive proposée entre l’inconscient du créateur et celui du spectateur, l’Å“uvre fait (ou ne fait pas) écho. En oubliant toute modestie, on pourrait prétendre qu’il y a un impact de l’ordre éducatif lorsque quelque chose se remet en jeu dans la psyché du spectateur au contact de l’Å“uvre, ce qui est exceptionnel, voire miraculeux, mais possible. Il est particulièrement difficile d’évaluer la qualité de l’Å“uvre contemporaine, sur ce terrain les jugements hâtifs et péremptoires vont aussi bon train que les inévitables impostures. Qui peut juger ?

L’éducation artistique en tant que médiation sociale ?
Les textes « ressource » à disposition sur le site Etant Donné mettent en évidence un discours qui se veut humaniste et repose sur le postulat que ni les classes sociales défavorisées, ni les classes privilégiées n’apprécient l’art contemporain. Toutes les classes sociales se trouvant par conséquent dans une situation d’égalité pourraient alors évoluer ensemble dans ce terreau favorable au partage… Comme disait le clown de mon enfance : « Il n’y a pas de différence entre une tarte aux prunes et une tarte aux cerises, elles sont faites toutes les deux avec « pas de poires »». (voir le texte ressource N°2 dont je cite un passage :  «…Paradoxalement l’art contemporain installe une situation potentielle et inhabituelle de partage»)

Monsieur Livache affirme son identité de « professionnel de l’art contemporain » en tant que médiateur socioculturel, investi de la mission de transmettre cet art aux couches moins favorisées, abandonnant ainsi « …un objet culturel pauvre et sans intérêt aux élites décadentes… » (je cite).

Pour « insuffler » l’art contemporain aux jeunes, Monsieur Livache cible les dispositifs périscolaires qui devraient remplacer bientôt les ex-dispositifs (CEL), ainsi que les Maisons des Jeunes et de la Culture. Institutionnaliser l’art contemporain en tant qu’entité créative dévolue à la paix sociale, revient à le déposer dans les mains de tous, c’est une noble intention. Les artistes seraient alors les interfaces socio culturels mis en place par le pouvoir pour faire face aux crises urbaines ? Et comme tout un chacun peut jouer ce rôle dans son microcosme, avec une telle identité, les artistes sont-ils encore utiles à la société d’aujourd’hui ? Question effrayante !

Que devient alors le rôle des artistes ? Quelle est leur identité spécifique ?
Si les animateurs socio culturels sont naturellement désignés par leur position dans les quartiers pour mener à bien une tâche sociale créative, sont-ils pour autant de libres créateurs ? N’est-ce pas cette notion d’indépendance, intrinsèque à la créativité, qui différencie aujourd’hui les artistes plasticiens des autres acteurs créateurs socioculturels ?

L’art contemporain comme exutoire de la violence urbaine ?
Des maisons de quartier, plaques tournantes, au centre de l’éducation à l’art contemporain et du même coup de la paix sociale ? Pourquoi pas ? mais entre autres !
L’art contemporain, entité créative, oui, mais compte tenu de la grande diversité des médias qu’il utilise, son influence s’exerce à tous les niveaux. Sorte de sérum de vérité, que ça plaise ou non, n’est-ce pas en cela que réside sa fonction thérapeutique quand il est question de pacifier ? L’art contemporain peut reconnaître et mettre en scène les réalités de tous, c’est une bonne base pour une « communication non violente », mais encore faut-il aller plus loin dans cette direction. La mise en image de la violence fascine ; est-il assuré pour autant qu’elle exorcise l’inconscient collectif ? Chaque artiste porte en lui un morceau de cette collectivité qu’il donne à voir ou à entendre, reste à savoir si la représentation de la violence tant prisée dans les jeux de l’arène ne transforme pas cet exorcisme en perversité. On peut reprocher aux artistes de se plier aux goûts de la main qui les nourrit, à la mode ou à l’actualité (et l’hémoglobine se vend bien). Je me garderai autant que possible de jugements sur les raisons des compromissions auxquelles sont contraints les artistes, car le manque de fonds en est une raison fondamentale. Avant que d’embarquer dans un art contemporain à vocation pacificatrice ne faut-il pas faire une reconnaissance encore plus pointue des rôles, des acteurs et de leur réalité respective ?
S’y risquer demande du temps, de la neutralité et un certain intérêt pour les causes perdues.

La médiation culturelle en partenariat vraiment équitable ?
Nous les artistes, sommes d’excellents faire-valoir et quand nous refusons de prendre en charge les aspects politiques ou financiers de notre profession, nous en portons en partie la responsabilité (voir l’article sur ce chapitre). Les intermédiaires intéressés ne manquent pas. Le charme qui manque au politique, c’est justement le nôtre, celui de la liberté et du désintéressement. Nous sommes donc souvent utilisés comme masque gracieux du pouvoir et de la finance. Untel, homme politique, met en avant ses réalisations culturelles pour dissimuler son museau de loup, ce ne sont pas les exemples qui manquent. Est-ce là, la forme que revêt le nouveau mécénat ? Je ne veux porter de jugement ni sur les loups (que j’aime pour leur nature sauvage) ni sur les artistes, à chacun son lot et les uns feraient bien de prendre un peu de graine chez les autres (et vice et versa).

Des subventions attribuées au domaine socioculturel au nom de l’art et des artistes ?
Ma revendication se bornera à une identification précise des acteurs. Le socioculturel est une articulation, un rouage entre la société et l’art, il n’est pas l’art et ne devrait pas se proclamer juge et partie. Ma crainte est de voir les maigres subventions attribuées (quand encore elles le sont) à l’art se diriger vers des institutions en utilisant les artistes, ce qui risquerait d’avoir pour effet de réduire encore les moyens des artistes.

Musarde/23/02/2006

http://creativecommons.org/licenses/by-nd/2.0/fr/ 

Qu’entendons-nous aujourd’hui par “atelier d’artiste”? Pour sa participation à Europ’Art, la Fédération a choisi de travailler autour du contexte de la naissance d’une oeuvre.

6 espaces de création représentant 6 médias différents ont ainsi été “re-créés” à Europ’Art : Mélanie Deron : vidéo; Denise Tchoumi : installation; Eva Balibea: photographie; Ousmane Dia : sculpture; Ruth Crisinel: peinture.

Vernissage le jeudi 27 avril à 19h. Expo du 27 avril au 1er mai.Bienvenue à Europ’Art… Ci-dessous programme en pdf:

http://www.act-art.ch/uploadpdf 

Newsletter de act-art: http://www.act-art.ch  

Du 10 février au 5 mars 2006
Villa du Jardin Alpin
7, chemin du Jardin Alpin
1217 Meyrin-Genève
Heures d’ouverture:
Me-jeu-ven 14h30-18h30
Sam-dim 1h-18h
Fermé lundi- mardi.

L’expression du désespoir n’est acceptable que si l’espoir la suit de très près. Oui, tout est grignoté par la vermine et tout disparaîtra, mais c’est en principe pour mieux préparer le terreau des vies nouvelles. La beauté est éphémère et fragile, sa révélation touche au merveilleux et enveloppe l’âme d’un doux regret. Maître d’une intemporelle nostalgie, Gérard Imhof, avec l’humour acerbe du désespoir, met ici en scène l’inéluctable cycle de la vie, le méticuleux travail d’un monde discret et silencieux dont les acteurs les plus nobles sont les insectes. Tandis que leur activité s’exerce au cÅ“ur du bois qu’ils «vermoulent» patiemment, nous les humains poursuivons parallèlement la nôtre.  Deux sociétés qui consomment la nature et se reproduisent, à une nuance près : celle des insectes fait place nette pour la vie à venir, alors que celle des humains fait place morte pour le non-avenir. Véhicules rongés accrochés aux arbres ou emplâtrés face à un symbole religieux, déploiement militaire autodestructeur, rouge gorge tragique dont le sang s’écoule en fine sciure -  enfin face à ces macabres représentations, quelques pétales nacrés de monnaie du pape ou quelques feuilles de tilleul immortalisées avec l’incommensurable délicatesse qui caractérise la touche de l’artiste. Sous le dehors trompeur d’une application désuète, l’Å“uvre dit tour à tour la beauté et l’aspect mortifère d’un monde dérisoire qui s’étend largement au-delà de toute forme de frontière. En plus de ses remarquables qualités plastiques, l’art de Gérard Imhof est parfaitement universel. Octobre 2005

http://www.europart.ch/F/Films.html

Allez donc faire un tour sur ce site. Vous y trouverez une immense source de documents rares issus de la bibliothèque publique de New York. Ces documents peuvent être téléchargés librement pour l’étude mais une taxe modeste doit être payée à la bibliothèque en ligne en cas d’utilisation publique (par ex. sur le web que ce soit commercial ou non). Cette taxe n’a rien à voir avec le droit d’auteur, mais la plupart de ces images appartiennent déjà au domaine public. Voir les conditions d’utilisation (le site est en anglais).

http://digitalgallery.nypl.org/nypldigital/

(Trouvaille communiquée par Jean-Jacques)

C’est l’art de faire des trouvailles en perdant son temps, voilà qui anoblit un tantinet mes égarements. On peut explorer ce thème, entre autres à cette adresse:

http://urfistinfo.blogs.com/urfist_info/2005/04srendipit_quand

La même exposition présentait des œuvres de Amalia Low et Sabine Oppliger. Les trois artistes ayant en commun leurs liens avec la culture asiatique.

Galerie La Primaire
27, chemin de la Colombe
Conches - Genève

“Tous les textes (de loi) n’arrivent pas comme par enchantement, juste pour embêter le citoyen : c’est une suite (évidement perfectible) qui s’inscrit dans un ensemble, qui y trouve sa logique. Un peintre, un sculpteur - est aussi un citoyen, il est temps de sortir de cette logique typiquement fin 19ème qui veut qu’un artiste, pour être talentueux, doit être un marginal, “un maudit”. Lorsque vous achetez un livre vous ne faites pas l’acquisition d’une certaine quantité de papier et d’encre mais d’un objet qui vous permet de jouir d’une Å“uvre littéraire, il en va de même pour un disque. Vous devenez propriétaire d’un objet mais l’Å“uvre reste la propriété de son auteur : la matière n’est que le support de l’Å“uvre. Cela s’applique également aux créations plastiques : la peinture (ou la sculpture) dans sa concrétisation matérielle n’est que le moyen de provoquer une jouissance visuelle. Cette notion est essentielle pour dissocier la fabrication (industrielle ou artisanale) de la création. L’Å“uvre plastique n’a pas de fonction utilitaire, cette fonction est uniquement intellectuelle. Malheureusement, cette notion est parfois prise au pied de la lettre, ce qui, comme tout ce qui est pris de cette manière, entraîne des dérives qui peuvent se résumer par “il n’y en que l’intention qui compte”. On peut d’ailleurs en apprécier les effets sur l’art abusivement baptisé “contemporain” mais ceci est un autre débat. Ces dérives sont de toutes manières préférables à la censure, c’est un mal nécessaire. De quelque discipline que ce soit, les créations, sont des “Å“uvres de l’esprit”, leurs géniteurs sont des “auteurs de l’esprit” ils ne fabriquent pas ils créent, même si pour cela ils ont besoin de : matériaux, de techniques, de savoir-faire (il existe une définition légale de l’Å“uvre d’art, à lire attentivement car ce n’est pas une entrave à la création mais une garantie, vous trouverez ce texte sur le site de
La Maison des Artistes rubrique : Inscription/qui?
ansi que sur
http://www.legifrance.gouv.fr/

CODE GENERAL DES IMPOTS ANNEXE 3, CGIAN3 - II :

Biens d’occasion, Å“uvres d’art, objets de collection. Les auteurs se répartissent en deux catégories : les auteurs d’Å“uvres littéraires, musicales, chorégraphiques, ils cotisent à l’AGESSA et les auteurs d’Å“uvres graphiques et plastiques qui cotisent à La Maison Des Artistes. Tous au même taux : celui du régime général.

Les artistes sont :
* Pour le fisc au régime des BNC (bénéfices non commerciaux) ce sont des professionnels libéraux.
* Pour la ” Sécu ” et ce depuis 1978 ce sont des salariés et cotisent à ce taux, leurs employeurs étant les diffuseurs (voir verso de l’attestation S2062). Il y aurait beaucoup à dire sur les faux diffuseurs qui prolifèrent au détriment des artistes et des diffuseurs que je qualifierais d’honnêtes, il y en a ! (hélas ils sont minoritaires).

Les “artistes auteurs” n’ont pas à être inscrits auprès des Chambres des Métiers, ils ne sont pas soumis à la taxe professionnelle, leurs ateliers, sous certaines conditions, ne sont pas soumis à la taxe d’habitation, ces ateliers bénéficient de la protection des baux commerciaux. Bien évidemment tout ceci sous-entend d’être en règle.

Depuis 1995 la déclaration aux organismes sociaux respectifs est OBLIGATOIRE dès le premier Euro de revenu. En outre, comme toutes autres catégories professionnelles vous devez OBLIGATOIREMENT cotiser à une caisse de retraite complémentaire : pour les artistes c’est la CREA - IRCEC.  Lorsque vous exercez un emploi salarié, votre employeur ne vous demande pas votre avis, il vous déclare et vous retient, de votre salaire (brut), vos cotisations sociales et les reverse à l’URSSAF et ce, même si le nombre d’heures travaillées est insuffisant pour l’ouverture aux droits, c’est également le cas pour les artistes auteurs : si votre bénéfice annuel est inférieur à 900 fois le SMIG horaire, vous n’avez pas d’ouverture aux droits mais vous devez néanmoins cotiser.

Tous les ans vous devez remplir une déclaration d’activité qui permettra de calculer votre “assiette”, si vous êtes au-dessous du seuil et si vous avez déjà bénéficié (comme artiste) d’une ouverture aux droits vous avez une tolérance de 3 années sans perdre vos droits.  Vous n’avez pas droit aux indemnités de chômage (c’est inapplicable) mais vous ne cotisez pas non plus. La Maison des artistes et l’AGESSA sont des associations loi 1901, agrées pour le recouvrement des cotisations sociales, elles les reversent ensuite à l’URSSAF. Lorsque vous cotisez, vous ne devenez pas pour autant membre de ces associations, pour en faire partie : vous devez adhérer : ce n’est pas obligatoire, le montant de la cotisation tient compte des petits moyens de la majorité des artistes, elle n’est pas très élevée, elle donne droit à des avantages non négligeables. Les chambres des professions libérales (non consulaires donc non obligatoires) peuvent dans certains cas, par l’intermédiaire des SOPROLIB, vous aider pour les prêts bancaires (professionnels) à faible taux. Le Ministère de la culture attribuait autrefois (j’ignore si cela est toujours le cas) des bourses pour l’aménagement d’ateliers) pour les loueurs municipalité, office HLM et pour les artistes pro).

Auprès du Fisc vous pouvez opter pour l’article 100 bis (attention cette option est, par définition, irrévocable), elle vous permet de lisser vos revenus sur 3 ou 5 ans (ex. : l’exercice en cours et les 2 précédents) ce qui compte tenu de nos revenus parfois en dents de scie, nous permet de ne pas passer brutalement du non imposable à des tranches très élevées (il est valable d’opter pour cette solution en phase ascendante). Vous bénéficiez d’une franchise de T.V.A. Vous pouvez néanmoins opter pour être assujetti à cette taxe (par ex. Si vous devez faire de gros investissements). Lorsque vous êtes assujetti, vous ferez payer à vos clients une taxe 5,5% que vous reverserez au Fisc mais vous récupérerez, sur vos fournitures la T.V.A. au taux applicable (en général 19,6%). Il y a donc une différence à votre avantage.  En résumé : vous devez en premier lieu vous déclarer auprès du contrôleur des impôts dont vous dépendez géographiquement, ensuite vous devez remplir un dossier d’inscription à La Maison des Artistes et pour finir vous déclarer à la CREA - IRCEC.

Ce n’est pas tout.
Comme je l’?ai écrit au début : un “artiste auteur” est le seul propriétaire de son oeuvre. Il est titulaire et bénéficiaire des droits d’auteur et des droits de suite, ses droits s’éteignent 70 ans après sa mort. Il existe des sociétés de protection de droits d’auteurs (ex. SACEM pour les compositeurs de musique) pour les plasticiens il y en a plusieurs, la plus importante et la plus puissante est l’ADAGP. Ces sociétés recouvrent les droits de leurs adhérents et les assistent dans leurs démarches (contrats d’éditions, recherche de pirates). Elles prélèvent des commissions sur les recouvrements qui sont comprises entre 20 et 25% du total. Il vaut mieux avoir 75% de quelque chose que 100% de rien du tout. L’auteur est le seul habilité à modifier ou détruire son oeuvre. Ce qui veut dire qu’un diffuseur qui, après une expo, vous restitue une oeuvre abîmée, vous l’a en fait modifié à votre insu ; si elle est en mille morceaux : elle est détruite, il est donc responsable. Prétendre, comme certains le font, qu’ils ne doivent rien parce qu’ils ne sont pas assurés n’atténue en aucun cas leur responsabilité : ils bluffent.  Pour justifier l’antériorité d’une création : vous la décrivez avec un maximum de détails plus des photos, vous placez : le tout dans une enveloppe et vous “vous l’expédiez à vous-même” en recommandé. Naturellement, à la réception, vous ne l’ouvrez pas, vous la répertoriez et vous la stockez en lieu sûr. Si un jour vous avez besoin de prouver votre bonne foi, vous demandez à un huissier de justice d’authentifier : après avoir vérifié la date d’envoi il ouvrira l’enveloppe et constatera que vous êtes bien le premier auteur de l’oeuvre en question.  En étudiant bien les textes, y compris le droit du travail, vous vous apercevrez que le “droit d’accrochage est illégal”. Malgré cela il arrive fréquemment qu’il vous soit demandé d’en acquitter un, refusez de le faire : les lieux ou il faut payer sont à 100% des lieux (et des diffuseurs) sans intérêt et même douteux. Si vous vous faites piéger demandez toujours un justificatif. Au cours de vos bras de fer avec les diffuseurs il faut que vous sachiez qu’ils ne sont pas souvent en règle (non déclaré à la Maison des artistes), ce qui, si vous, vous l’êtes, vous donne un moyen de pression. Pour les mêmes raisons ne versez jamais de commission en espèces, exigez toujours un justificatif (une pièce comptable).  Pour Information : que ce soit comme organisateur de manifestations artistiques, comme artiste, je n’ai jamais eu de problème avec les assureurs. Que ce soit pour les assurances ou pour les diffuseurs, créez vos propres fiches de dépôt avec un maximum de détails, description de l’oeuvre, la technique, la date de création, photo de la pièce, les dates de dépôt et de retrait, en cas de vente la date de règlement, les photos de l’oeuvre, si elles sont collées sur la fiche, apposez une signature à cheval sur le cliché et le support. Ces fiches, sont tirées en deux exemplaires, elles devront être signées par vous et par le diffuseur (s’il refuse : sauvez vous, vous éviterez les contestations désagréables et le cas échéant, vous confondrez prématurément l’indélicat).  Le monde artistique est très fermé, les réputations, bonnes ou mauvaises se répandent vite. Mis à part pour les tentatives d’escroqueries, il est impératif que vous respectiez vos engagements même, si, au départ, vous avez sous-estimé les contraintes.  Par respect pour le publique, vos clients et vos diffuseurs : vous devez pratiquer les mêmes tarifs que ce soit en “expo” ou à l’atelier.

Comme vous pouvez le constater le statut “d’artiste auteur” existe, ce qui explique les tensions apparues dans différents débats. Ce statut possède des avantages que n’ont pas d’autres professions ! S’il n’existait pas : vous devriez cotiser comme un professionnel libéral avec tous les surcoûts que cela entraînerait. Je mets au défi quiconque de me prouver que ce statut est une entrave à la création. La création vous demande de surmonter des difficultés bien supérieures à ces quelques obligations administratives qui sont la garantie de notre citoyenneté (à tous).

James Bayle, artiste plasticien en Haute-Savoie
james.bayle AT wanadoo.fr

(Article vérifié avec l’auteur et publié avec son accord sur le blog, le 6 février 2006.

Personnage en papier (H 12 cm), Marie-Danielle Koechlin, avril 2005

” Fragments d’identité “, Marie-Danielle Koechlin et Brige Van Egroo

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Brige Von Egroo

Du 4 février au 2 avril 06, Marie-Danièle Koechlin et Brige Van Egroo questionnent la notion d’identité à travers des démarches plastiques singulières où se mêlent sculpture, installation et vidéo. Explorant différents matériaux synthétiques contemporains tel que le vinyle, le plexiglas ou le silicone, Marie-Danièle Koechlin aborde la question de l’individualité et du rapport à l’autre tandis que Brige Van Egroo, privilégiant le papier, la ouate, la tarlatane et autres matières végétales, travaille sur l’enveloppe corporelle, la peau comme espace d’interaction entre l’intérieur et l’extérieur. Toutes deux plasticiennes, elles engagent un dialogue entre les oeuvres, l’espace et le public au sein d’une exposition conçue comme un ” parcours identitaire ” où la découverte des oeuvres suscite de nombreuses réflexions sur les multiples facettes de notre personnalité.

Samedi 4 et dimanche 5 février 06. Rencontre avec les artistes de 14h30 à 18h30/entrée libre.

Du 6 au 10 février 06. Ateliers de pratique artistique encadrés par Brige Van Egroo et Marie-Danelle Koechlin autour de la notion d’identité. Les ateliers se déroulent sur une journée et permettent une rencontre approfondie avec le travail des artistes. Participation: 6 Euros par personne. Pour les groupes à partir de 20 personnes. Sur réservation.

Du 13 février au 31 mars 06 Ateliers pédagogiques proposés par les animateurs de l’Atelier d’Estienne: découverte de l’exposition et travail autour de la question du corps. Du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 14h à 16h. Participation: 2 Euros par personnes. Sur réservation.

Samedi 11 mars 06. Rencontre sur les interventions artistiques en milieu spécialisé. Par Marie-Danielle Koechlin, Brige Van Egroo et Erika Vandelet (artistes intervenantes), Manfred Thiel (éducateur spécialisé en IME) et Marie-Pierre Herné (psychologue clinicienne). En collaboration avec le théâtre Le Strapontin. A partir de 14h. Entrée libre.

Or moi, j’aime l’action, je me sens vivre bien dans l’effort, c’est en agissant que j’éprouve le sentiment d’existence. Je pèche généralement par dépassement du geste, par exubérance de mouvement. Je conçois trop souvent mon rapport à l’oeuvre à la façon d’une lutteuse, pas de place pour les « temps morts » ! Impatience, inquiétude fondamentale, question de tempérament ?
Le temps de latence, je n’y avais pas songé, mais à force de multiplier les gestes à l’excès, je sature mon propre environnement jusqu’à ressentir l’urgente nécessité de lâcher prise. Cette idée est toutefois plus simple à énoncer qu’à appliquer. C’est dans cette perspective-là que je situe mon cheminement pendant ce workshop.
Comment laisser vivre cet intervalle de latence pendant la réalisation de l’oeuvre ?
Cueillir les fruits du temps sans intervenir sur son déroulement ?
Exister sans agir ?
Laisser la tache aller à la rencontre de l’espace humide en suivant son allure, sans imposer mon rythme ?
Attendre tout le temps qui est dû à la matière pour qu’elle s’exprime complètement ?
Pari impossible ?
(Genève, Villa Dutoit, 26 août 2005)

Pour comprendre un peu mieux:
http://www.opossum.ca/archives/dixdix_xmlrss.pdf

Exposition Dada : le grand bas-art par Françoise MonninMille « oeuvres », cinquante « artistes » : l’exposition du Centre Pompidou consacre la colère exprimée par une poignée d’intellectuels pendant la première guerre mondiale. Mais si leur géniale audace a favorisé notre émancipation, les gadgets qu’ils ont fabriqués, ont-ils leur place parmi les chefs - d’oeuvre de notre histoire de l’art ?« Dada était une bombe, qui s’emploierait à en recueillir les éclats, à les coller ensemble et à les montrer ? Que sauront-ils de plus ? On va leur montrer des objets, des collages. Par cela, nous exprimions notre dégoût, notre indignation, notre révolte. Eux n’y verront qu’une phase, qu’une « étape » comme ils disent, de l’Histoire de l’Art », éructait déjà Max Ernst, lors de la précédente exposition consacrée à Dada par le musée national d’art moderne parisien, en 1966. Peine perdue ! Son ancien complice, le théoricien Marcel Duchamp, constatait alors lui aussi combien l’histoire digère toute forme nouvelle émergeante, combien toute « avancée hasardeuse dans des territoires encore mal définis » (l’historien d’art Marc Lebot définit ainsi la notion d’avant-garde) est condamnée par le succès à l’académisme. Renier le passé revient à lui appartenir, une fois le temps passé. Dire merde au monde fait entrer le mot merde dans le dictionnaire de ce même monde. Et, si celles qui ratent tombent dans l’?oubli, toutes les révolutions réussies sont appelées à finir soigneusement référencées dans la chronologie de l’histoire des hommes. Il n’existe aucune alternative. Telle est la Culture. Il en va de Dada comme du reste. La sulfureuse attitude artistique des années 1910, en refusant tous les principes inhérents à la tradition des beaux-arts, a mis à leur place ceux des bas-arts, destinés à leur tour à un succès spectaculaire ; et par conséquent à une récupération.

Petits riens et grosses colèresL’actuelle exposition du Centre Pompidou est à ce titre formidable, énorme, anthologique. Dada n’entendait produire que des petits « riens » et ces petits riens aujourd’hui réunis remplissent tous le sixième étage du temple français de la modernité. Des centaines de mètres de vitrines aseptisées recouvrent là des brouillons, des courriers intimes, des cartes postales, des gadgets. Nul chef-d’oeuvre, très peu d’éléments charmants, à l’exception de la collection de marionnettes imaginées par Sophie Taueber-Arp ! Rien que des croûtes et des plaisanteries, devenues au fil du temps des objets de culte. A ce titre, le plus fameux d’entre eux, la Fontaine de Marcel Duchamp (un urinoir de fabrication industrielle, présenté par l’artiste lors d’une exposition américaine de sculptures en 1917), trône en héros. Il s’agissait en 1917 d’en rire, à présent les visiteurs se prosternent avec déférence et dans un silence absolu, intégriste. Dommage. L’intérêt de l’exposition consiste davantage dans les textes présentés, même s’ils nécessitent de nombreuses heures de lecture. « lis tes ratures, tout est littérature», écrit à la plume le très jeune poète Philippe Soupault, sur une feuille de carnet à petits carreaux, en 1920. C’est joli. Dada au Centre Pompidou, moins qu’une exposition, est d’abord une bibliothèque. C’est en effet dans le langage des mots que s’est opéré, entre 1916 et 1920, une dilatation véritable des limites de la définition de l’oeuvre. A travers les centaines de courriers, de tracts, de fanzines, d’annonces de spectacles et de bandes sons qui sont présentées, le visiteur conçoit combien, au sein d’une Europe en pleine guerre mondiale, il était devenu impossible de peindre des Vénus et de sculpter des Apollon ; combien demeurer poète impliquait de passer les valeurs classiques à la moulinette. Quel dommage que cette exposition néglige le fait que tous les souvenirs ici présentés ne sont issus que de colères et de blagues ! Dada voulait faire hurler et rire, inciter à la révolte. Objectif manqué : à présent, il n’est question que de conservation. Si la Joconde à moustaches, imaginée par Marcel Duchamp, « L.H.O.O.Q », ceux qui la vénèrent outre mesure ne sont que des pisse-froid.« Dada soulève tout ! »« Dada soulève tout » : la phrase de Soupault reproduite à l’entrée de l’exposition consacre la manière dont tout soufflé retombe, attraction terrestre oblige. Si tout ce qui est présenté au fil des salles appartient soit à la catégorie des coups de gueule, soit à celle des fous rires, les uns comme les autres, aujourd’hui dénaturés par le commerce de l’art, apparaissent désormais surtout comme de belles arnaques. Un urinoir au milieu du salon, histoire de choquer les voisins ? D’accord en 1917, et tant qu’il a été acquis à bon marché au bazar du coin. Acheté chez Sotheby’s en 2005 pour des centaines de milliers de dollars, il n’est pas rigolo, il est obscène. Tout comme la page consacrée au groupe mécène de l’exposition, PPR (Pinault-Printemps-La Redoute), dans le dossier de presse de l’exposition : plutôt que d’évoquer la liberté, la poésie, l’imagination, la subversion dadaïste, le texte reproduit là signale que « PPR a réalisé en 2004 un chiffre d’affaires de 17,8 milliards d’euros » !

Reproduits, copiés, imités, tous les objets volontairement moches (par goût de la provocation et par besoin de libération) utilisés par les dadaïstes ont généré des hordes de pâles décalcomanies vendues à prix d’or, qui inondent à présent nos centres d’art, et des flots de littérature indigente. « Le filon est désormais recouvert d’une gangue scientifique, dont l’épaisseur est d’autant plus surprenante que les témoignages de l’époque sont rares et ambigus », souligne très justement l’une des auteurs du catalogue de l’actuelle exposition, Séverine Gossart. Lequel catalogue n’en rajoute pas moins ses 1024 pages, comportant certaines erreurs (il y est dit par exemple que Marcel Duchamp est mort à New York), au corpus. Visiter l’actuelle exposition permet de mesurer combien Dada se voulait aérien et combien l’histoire de l’art s’applique à le plomber. C’est en cela qu’il importe de se rendre au Centre Pompidou.

Dada, jusqu’au 9 janvier 2006, musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris. Washington du 19 février au 14 mai 2006 et au MOMA de New York du 18 juin au 11 septembre 2006.

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http://www.galerie-du-centre.net

 

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Envoyé par www.duclaux.net

“Ils parlent en connaissance de cause : La Fontaine de Marcel Duchamp a déjà été restaurée après avoir subi une première fois les foudres de M. Pinoncelli, le 24 août 1993, lors d’une exposition au Carré d’art de Nîmes. L’artiste s’était tout d’abord soulagé dans la sculpture, un urinoir industriel posé tête-bêche, par rapport à son installation d’origine.
Duchamp avait vainement tenté d’exposer sa pièce en 1917, à New York, sous le pseudonyme de R. Mutt, qui évoquait le nom d’un fabricant local de matériel de salles de bains. La sculpture fut refusée par le jury.
Duchamp s’en expliqua dans un entretien publié en 1961 : “Les motifs pour refuser l’envoi furent les suivants : 1. Son envoi était immoral et vulgaire. 2. C’était un plagiat, ou plutôt une simple pièce commerciale ressortissant à l’art du plombier. A cela, M. Mutt répondit que sa fontaine n’était pas immorale puisqu’on pouvait chaque jour en voir de semblables exposées dans tous les magasins d’installation de bains et autres objets de plomberie. Sur le second point, M. Mutt fait remarquer que le fait qu’il eût modelé ou non la fontaine de ses propres mains était sans importance, l’important était dans le choix qu’il en avait fait. Il avait pris un article courant de la vie, et fait disparaître sa signification habituelle sous un nouveau titre et, de ce point de vue, avait donné un sens nouveau et purement esthétique à cet objet.”
M. Pinoncelli a déclaré qu’il rendait “sa dignité à l’objet, victime d’un détournement d’utilisation, voire de personnalité”. La miction était bénigne, mais l’artiste avait cru déjà nécessaire de briser le mythe à coups de marteau : “Etre redevenu un simple objet de pissotière après avoir été l’objet le plus célèbre de l’histoire de l’art - Son existence était brisée - Il allait traîner une existence misérable - Mieux valait y mettre un terme, à coups de marteau - Pas du tout un geste de vandale, un geste charitable, plutôt.”
Le tribunal de Tarascon avait condamné, le 20 novembre 1998, M. Pinoncelli à une amende de 45 122 euros.
L’affaire était même devenue un cas d’école pour les juristes. Interrogé par Le Monde, l’avocat Bernard Edelman estimait que le tribunal avait “rendu un jugement très intelligent, en condamnant Pinoncelli pour “parasitisme de la gloire”. En brisant un urinoir célèbre, il cherchait à s’accaparer la notoriété de l’artiste qui y avait apposé sa signature.”
M. Pinoncelli est un habitué : des actions, au sens artistique du terme, il en a produit plus de 70, depuis 1963. On lui doit, en 1969, un “attentat culturel contre Malraux” : il avait, armé d’un pistolet à eau, aspergé le ministre de peinture rouge lors de l’inauguration du Musée Chagall de Nice. En juin 1975, il avait braqué avec un fusil, mais sans munitions, les locaux de la Société générale, toujours à Nice. Il s’agissait alors de protester contre un jumelage entre Nice et Le Cap, en Afrique du Sud, alors sous le régime de l’apartheid. L’artiste n’a peur de rien, l’homme est entier. Presque : en juin 2002, dans un musée de Cali, en Colombie, il s’est tranché un doigt avec une hache en signe de solidarité avec Ingrid Betancourt. Il s’agissait de partager la violence faite à l’otage retenue par les FARC.
Plus prosaïquement, La Fontaine de Marcel Duchamp n’existe plus depuis 1917, date à laquelle l’original s’est perdu. Les huit versions aujourd’hui disponibles sont le résultat d’une édition réalisée par l’artiste et le marchand italien Schwartz en 1964. La dernière disponible sur le marché a été vendue à un collectionneur grec en 1999, pour l’équivalent de 1,6 million d’euros.

Harry Bellet”

(Article paru dans l’édition du 07.01.06)

 

Voir: http://www.cipac.net/